心得体会可以是对学习过程中的收获和问题的总结，也可以是对生活经历的感悟和思考。写心得体会时可以运用一些修辞手法，增强文章的感染力和吸引力。在这里为大家推荐一些写心得体会的好文，希望能给大家带来启示。

绘画技巧和心得体会篇一

绘画构图是绘画创作过程中至关重要的一环。一个好的构图能够使作品更加有吸引力和感染力，能够让观者更容易地理解和接受作品所要表达的信息。在我的绘画创作实践中，我不断探索和学习，积累了一些关于绘画构图的技巧心得和体会。

首先，构图的平衡性十分重要。平衡是指画面上物体、形状、色彩等元素的分布均匀，没有明显的倾斜或偏向一方。一个平衡的构图能够给人一种稳定、和谐的感觉，而一个不平衡的构图则会使人感到不安和杂乱。在进行构图时，我常常利用对称、重复、层次等手法来实现平衡。并且，在选择主题和内容时，我也会尽可能地避免使用过于复杂和繁杂的元素，以免给观者造成压迫感。

其次，构图中的对比和留白是增强视觉效果的重要手法。对比是指在画面中运用明暗、大小、形状等因素形成明显差异，以突出画面中的主题或要表达的情感。而留白则是指画面中的空白部分，它能够为观众提供思考和联想的空间，也能够增强画面的立体感和层次感。我常常利用对比和留白来强化画面的重点和焦点，让观者更容易被吸引和引导。

另外，构图要考虑画面的透视和动感。透视是指在二维平面上通过使用线条和形状的变化，来营造出三维画面的一种手法。透视能够增强画面的立体感和深度感，使画面更富有观赏性。同时，动感是指画面中物体、人物或场景所表现的一种运动状态或变化过程，能够使观者感受到画面的活力和生命力。在我的绘画创作中，我常常注重通过绘画技巧和手法来表现画面的透视和动感，使作品更加生动和有趣。

此外，构图中的色彩运用也是十分关键。色彩对于画面的表现力和感染力有着重要的影响。不同的色彩能够传达不同的情感和心理状态，能够给人带来不同的感觉和联想。在我的绘画创作中，我常常运用色彩对比来强调画面的重点和焦点，使画面更加鲜明和有力。同时，我也会注意色彩的选择和搭配，以营造出特定的氛围和情绪。

最后，绘画构图是一个需要不断学习和实践的过程。只有通过探索和实践，不断积累经验和提高自己的绘画技巧，才能够更好地运用构图技巧。因此，我时常参加绘画培训班和交流活动，通过观摩他人的作品和借鉴他人的经验来提升自己的构图水平。我也会在生活中多观察和感受，不断积累素材和灵感，以便能够更好地表达自己的情感和理念。

综上所述，绘画构图技巧是绘画创作过程中不可或缺的一部分。我通过长时间的实践和学习，总结出了一些关于绘画构图的技巧心得和体会。平衡性、对比和留白、透视与动感、色彩运用等方面都是我在构图中不断探索和努力的方向。不断学习和实践，提升自己的构图水平，是我未来绘画创作的重要目标。

绘画技巧和心得体会篇二

学习绘画鉴赏已经有一学期了，其实刚刚开始的时候觉得一个理科生还是计算机科学与技术学院的学生为什么要去开这么一个课程——绘画鉴赏。

这学期学习了绘画鉴赏这门课程，同时也是第一次学习这门课程，当然初中高中有学过几年，多种原因没有坚持下去。嗯，是件挺遗憾的事情。

仅仅是画，还包含多方面的内容，所涉及的面也非常广泛，让我学到了许多，尤其是欣赏古代绘画时。学会了欣赏古代绘画，不能以现代的眼光去欣赏，而要结合历史，讲究意境、章法和笔墨。

通过了解知道：美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的'视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。同时绘画鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助学生在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。

这学期我从不了解美术，到懂得欣赏美术；从无视美的存在，到学会发现美；从对美术不感兴趣，到喜欢上美术，这就是这学期学习美术鉴赏课的最大收获。美术欣赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。

通过美术鉴赏课，可以使我们的视野开阔，可以扩宽我们的知识面。在课堂上，我学到了很多知识，也让我学会了如何去真正地欣赏一幅画，以及画家画一幅画是抱着何种心情。还有作者到底在一幅画中所想表达的意思。

美术在现实生活中到处可以感受到美术的气息，一张桌子、悬挂的衣服等等，这些随处可见。学习了美术鉴赏课，让我受益匪浅，对生活粗略的观察也变得细心起来了。我渐渐的发现原来生活那么美好，有时观察一棵树，我会呆呆地看很久，仿佛自己身临其境。

通过学习本课程，可以使我们了解更多的美术知识，提高我们的美术鉴赏能力，培养我们的艺术审美兴趣，而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。

虽然这门课程只有一学期，不过我会一直学习关于绘画鉴赏的知识，我觉得绘画鉴赏课教我的不仅仅鉴赏的是一幅画同时也学会如何去看一个人，感谢丁老师一学期的辛苦教导，我会继续坚持下去。

绘画技巧和心得体会篇三

通过这次人文专题课程——中国绘画艺术欣赏几次课的学习，虽然时间并不长，但是对于自己来说还是有一定的收获的。虽然之前并没有任何绘画艺术知识的学习，但是绘画艺术作为从古至今的一种艺术形式，作为承载人类社会与自然社会灿烂文化的艺术载体，是具有非常重要的意义与价值。作为一个从小画画就不好的工科女来讲，当时选这门课程时的确也不清楚这门课程到底是讲些什么内容，对自己的知识体系是否会有所提升，不过在我完成这几次课程之后，对于中国古代绘画艺术有了一个大体的认识，填补了之前这方面知识的空白。同时，之所以为欣赏课程，我想并不是要我们深入地去研究去理解中国古代绘画艺术，只要能对于古人的绘画艺术、绘画形式以及画家想传达的绘画思想有一个大体的认识就可以了。在欣赏和学习的过程中，提高自己的艺术欣赏能力，陶冶自己的情操，这些对于我们这样一直接受理性教育的工科生来说，提高自己的艺术欣赏能力绝对算是一种感性教育，更是对自己创造性思维的另一种激发与培养的方式。

课程中，老师利用五次课程分别介绍了中国近古五大时期的美术绘画艺术，分别是：原始社会至秦汉时期、魏晋南北朝时期、隋唐五代时期、宋辽金元时期和明清时期。每一个时期，都有各自不同的绘画艺术形式与特点，也体现了不同时期社会生活与人们意识的不同形态。在这五个时期里，我对于唐代时期的绘画艺术是最感兴趣的。

唐朝作为中国古代国力最为强势，社会生活最为安定，思想最为开放的朝代，也随之孕育出了繁盛的唐代艺术形式，而其中的绘画艺术也是中国封建绘画的鼎盛时期。唐代的历史也是我了解最多的一个朝代，唐代国力强盛，文化繁荣，唐太宗“柔怀万国”，贞观之治为邻近列国所仰慕。由于唐代具有对各种文化艺术兼容并蓄的非凡气度，儒、释、道“三教”并立，诗文、乐舞、书法、绘画以及文论莫不昌盛。唐代的绘画作为盛唐气象的重要组成部份，为中国美术史留下了璀璨的一笔，绘画名家辈出，见于史册者就达二百余人。唐代张彦远在《历代名画记》中评价初盛唐的作品是“灿烂而求备”，指绘画精神、美学追求、艺术表现和包括构图、造型、笔墨、色彩等技术因素在内的完美统一，这也是对整个唐代绘画风貌的概括。

中国传统绘画中的各个门类，在这个时期都以独立的姿态立于画坛。通过课程和文献了解，唐代的绘画已经分人物、山水、花鸟等科，技法可分工笔和写意。国画传统的核心是“意境”，“形神兼备”、“气韵生动”都是意境的内涵素质，其艺术魅力就是画已尽而意不止，笔虽止，但意无穷。不单单在于用笔，技法，更重要的在于作者要表达的思想境界。画家们的艺术审美思想和审美取向，皆取源于以儒释道为代表的传统文化。唐代绘画折射着儒释道思想的精髓，追求“天人合一”之境。佛、道理论不仅为绘画艺术提供了一个超越时空的广阔的创造空间，而且直接促进画者思想境界的提升。儒家在于对社会理想人格的塑造，在把绘画作为修身养性的手段的同时，指出其“成教化、助人伦”的道德教化作用。唐代张璪总结的“外师造化，中得心源”一直为后人所奉行，指出绘画是一种心灵化的艺术，造化和心源的凝合。唐代的画论、画史著作亦显示了唐代美学理论的深度，与当朝绘画创作一道共同谱写了大唐绘画的辉煌乐章，完善了民族绘画体系。

唐代的诸多著名画家中，我最喜欢的一位是阎立本，可能是因为我和他同姓，所以在看他的画作时，总有一种亲切感。阎立本以人物肖像画著名。他的作品用线劲健坚实，显示出刚劲的铁线描，有丰富的表现力，古雅的设色沉着而又变化，在人物塑造上不仅重视形貌的描写，而且十分着意人物心理与细节的刻画，造型准确生动，因而被誉为“丹青神化”而为“天下取则”，在绘画史上具有重要地位。他画的《凌烟阁二十四功臣图》，由唐太宗亲自为每一位功臣写了赞语。他还画了唐太宗肖像《太宗真容》、《唐太宗纳谏图》等。他画的《步辇图》，描绘了贞观十五年唐太宗会见吐蕃使禄东赞的重大历史事件，唐太宗雍容大度有气魄，禄东赞的谦卑有礼又自信的神态皆刻画的生动传神，气氛隆重而融洽。歌颂了唐太宗的英明睿智，记录了汉、蕃两族的友好。他画的《职贡图》描绘了南洋的婆利国、罗刹二国的使节前来朝贡，途中又与林邑国结队，全幅共二十七人，画中人马各自成组，由右往左前行。描绘出初唐时“万国来朝、百蛮朝贡”的情景。

人物画是以人物形象为主体的绘画之通称，在唐代绘画中仍占主要地位，大体分为道释画、肖像画、仕女画、风俗画、历史故事画等，取得了极高的成就，无论是吴道子、阎立本、周昉、张萱还是带有西域画风的尉迟乙僧等，均对后世产生了重大的影响。唐代道释画兴盛，重要人物画家皆擅佛道壁画，当时宫殿、衙署、厅堂、寺观、石窟都有壁画装饰，气势恢宏，色彩灿烂，塑造的佛道故事中佛、菩萨、神仙等栩栩如生的形象，飞天凌空飞舞，表现天国世界的美好，画面的繁复与盛大既给人敬畏与向往，又给人以美感与享受。壁画艺术水平也非常高超，外型描画准确而生动。唐代卷轴画也开始兴起，并因便于创作、收藏、观赏而逐渐流行。

在课程的结束，对自己的课程进行一个总结，梳理了一下课程内容以及课件知识，又自己在网上找了一些关于阎立本、吴道子的绘画评价，虽然对于同一画作也有不同的艺术评价，但大都也是对于表现手法的一些分歧，主题的脉络都是一样的。在我看来，艺术对于不同的人来说本来就有不同的理解，只不过在我们接受了一些艺术欣赏的指导和熏陶，对于理解和欣赏艺术作品就更为深入与细致，也能逐渐体会到作品所体现出来的创作者的思想与灵魂，我认为这就是学习欣赏艺术的真谛所在。最后，感谢李老师这几次课程的悉心指导与耐心讲解，在课程结束时让我有所收获有所提高。

绘画技巧和心得体会篇四

前段时间我参观了学校美术系的作品展览，在展览现场，有很多当场画的作品，这些作品十分的优秀，令我无比羡慕，心里一直有个想拿笔画画的想法，所以在报选修课的时候，毫不犹豫地选择了绘画基础。

选修的第一节课迎来了我们和蔼可亲的崔老师，值得幸运的是，崔老师不同于其他选修课老师，她特别希望我们能学到些东西，不浪费宝贵的十六周课。崔老师是一位教学经验十分丰富的老师，她有信心也有能力将我们这些对绘画知之甚少的孩子们培养出来，在她的指导下，我们逐渐恢复了自信。

素描作为一门绘画基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。崔老师在遵循这些基本规律的基础上，以个人的独特的绘画技巧让我们尝试了从未体验过的画法。这种富有强烈层次感的绘画技巧让我们尤为赞叹。

德加说：“素描画的不是形体，而是对形体的观察”。崔老师正是本着这样的理念对我们进行超越造型的表现。所以我觉得在这短短的十六周里，我的素描有了一次飞跃式的进步。学会了用眼用脑来画画。并且能把这种表现方法运用到我以后的绘画中。

在此特别感谢为我们辛苦苦付出的崔琳琳老师，并真诚地道一声：老师，您辛苦了！！

绘画技巧和心得体会篇五

今天又是一次绘画课，有点感触，来说几句。

我发现家长们来接孩子的时候，第一句话就说：“看看你画的？没老师画的好看啊~”

实际上，我觉得“画的象不象”只是家长们对孩子绘画作品中形象的一种评判，俗话说：“照猫画猫，照虎画虎”，其实说的是一种模仿和观察力。由于幼儿的认知、思维的局限，在观察事物时不可能很全面，也许只抓住自己看到的某个特征，这时大人们就会觉得不象，但是在孩子看来，她看到的事物就是这个样子的。只要孩子捕捉到了事物的基本特征，那么我们就不能单纯的从象与不象来评判孩子的绘画作品。

孩子不是为了绘画的结果而画的，对于他们而言，并不计较画得象不象，而是他们在画、在涂，他们沉浸在这个过程中，在这个过程中思维，在这个过程中成长。绘画就是他们自我表达的一种语言。我们应该多支持多鼓励孩孩子。

我们老师在选择幼儿绘画题材的时候，就已经考虑到了是否适合孩子的年龄。

在孩子绘画过程中，有时候孩子画错了怎么办？通常我们的做法是让他们干脆换张纸。但有时我们也会将错就错，鼓励孩子另辟新径。

绘画的过程也是孩子在想象的过程、思维的过程、表达的过程。所以当看到孩子画出我们难以理解的“怪物”时，或看到画面上互不相干的事物时，我们不必惊讶，因为孩子眼中的世界原不同于我们成人眼中的世界。

你可以请孩子解释一下，或许你会有很多惊喜的发现——孩子的想象原来这样丰富，孩子的思维原来这样有趣，你可以从中了解孩子的世界。同时孩子在解说过程中，大脑经过记忆改造、表象重构等过程，这将促进他抽象思维的发展。

一次绘画课，我发现妍妍左顾右盼迟迟不肯动笔。问她怎么了，她低着头小声说：“上次画的画，妈妈说我画得乱七八糟，一点也不象。”这位妈妈的“心直口快”竟使孩子驻笔不前。不要轻易否定孩子，尤其在不了解孩子所思所想的情况下。孩子是从别人的眼中认识自己的，如果他得到的总是否定的信息，渐渐地，他对自己也会持同样的否定态度，而一个人地自我意识将影响他整个人生。所以当孩子向你展示他地作品时，认真地看待他地工作成果，鼓励他，讲出自己地真实感受，与他讨论。孩子在成人认真聆听和注视下也感受到一种成就感，受到重视的成就感。

每个孩子都有她的优点和不足，不要拿别人的长处和你孩子的短处去比较，那样只会伤害孩子，多给孩子重视，兴趣是可以慢慢培养的，在她并不反感的前提下。遇到有什么疑难的问题可以和我们老师及时的沟通，只要我们一起想办法，问题会解决的。

现在我们班的绘画课，我上课的时候也成为了一种享受，感觉就想是你找到了懂你的知音，你说什么，孩子们能立马给你回应，真的很欣慰，现在每次绘画课结束后，家长们来接，都会有这么一句话：“这是你画的啊？老师没帮忙啊？真不错，有进步”

孩子们的点滴进步都是我们老师和家长感到最幸福，开心的事，您说，我说的对吗？

绘画技巧和心得体会篇六

xxxx年3月5日，我非常荣幸的在乐东中学聆听了王中年老师的'精彩讲座，他的讲课条理清晰、生动有序，时常举一些事例，使道理深入浅出，渗透人心，我被深深的吸引了，长达两个小时的讲座，听起来一点累的感觉都没有，反而觉得是一种享受。

王中年，满族，1943年生于辽宁省凤城市。中国美术家协会会员、国家一级美术师、现为中央社会主义学院、中华文化学院教授。享受国务院授予的政府特殊津贴。早年就读于鲁迅美术学院，后入广州美术学院研究生室，师从关山月、黎雄才等大师。艺术修养全面，山水画造诣颇深，对油画、水彩画、人物画亦有研究，也是一位瓷器绘画艺术家。作品曾多次参加全国美展，并获金、银、铜大奖。1982年起多次在中国美术馆、日本、韩国、新加坡、马来西亚、香港等国家和地区举办个人画展或讲学。部分作品被人民大会堂、国务院、天安门城楼、中央统战部、中国美术馆及国内外博物馆和美术收藏家珍藏。

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绘画技巧和心得体会篇七

在区教育局的组织安排下，在单位领导的带领下，我参加了4月份的xxx培训。为期三天半的培训过程中，我聆听了专家学者的报告，收获颇丰。

这一次培训，首先聆听了xxx师范大学教育科学学院副院长边霞所做的《对学前儿童美术教育若干问题的思考》专题报告，她告诉我们，幼儿美术活动重结果更重过程，教师应给幼儿创设宽松愉快的氛围，开展具有游戏倾向的美术活动，这样才能调动幼儿的积极性。

活动中一句“谁正被造就，陶工还是陶壶”，让我印象深刻，我的理解是：老师和幼儿都在被造就，老师通过给幼儿上课，各方面都有所提高，过来，幼儿在活动中也学到了各种技能，形成了各种习惯的养成。

上海现代儿童美术馆执行馆长薛文彪为我们做了《幼儿美术教育新概念与方法》的专题报告，并在现场示范美术水粉画的操作过程，讲解了他自己创新的借形想象美术创新方法。

中国早期儿童教育音乐舞蹈教育研究中心主任许卓雅为我们做了《音乐教学游戏化与幼儿学习品质培养》的专题报告。她的报告幽默风趣，通俗易懂，她给我们具体讲解了如何通过音乐领域的有效教学，更好地帮助幼儿养成良好的学习习惯。

虽然只有短短三天半的时间，我却收获了许多。在美术方面，要多给幼儿欣赏作品，无论是幼儿、老师或是大师的好的作品;在绘画过程中更注重幼儿的绘画时的兴趣，将游戏融入到其中，给幼儿创设宽松愉快的氛围，我想这样的过程产生的结果一定是预想不到的。在美术的教学方法中，我也可以借鉴薛老师的借形想象，让幼儿在想象中创作出不同的作品。

在音乐方面，回顾原来的教授方法，有很多不足的方面。有的时候给幼儿预设的目标太简单，不知道怎样一层一层加难度;有的时候给幼儿预设的目标又太难，幼儿根本完成不了。回顾许卓雅给我们的培训，我深刻的理解了音乐游戏每次教学都是在学习者认可前面一难度层次的学习已经通过的情况下，才进行新的难度挑战;并且在各种音乐教学活动中，如果教师能够经常有效地创设情境，让幼儿能够被合理的教学目标所激发，通过自己的努力，在各不同种学习情境中都能够不断获得新的成就，那么，在不断获取新的自我实现高峰体验需求的驱动下，全身心投入学习自然就会成为他们自己主动追求的事情!同时，老师也培养了幼儿们的各种学习品质，如注意力，观察力，思维力，原有经验应用能力，自我管理能力……在培训中，看了扬州幼儿园和xxx一幼幼儿园的音乐课，她们主要就是让幼儿自发地去感受音乐，去理解音乐，幼儿在享受音乐的同时提高了感受音乐的审美情趣和审美能力，同时也满足了幼儿的求知、求成的需要，通过成功的学习经验又增强了幼儿的学习自信心和自我效能感。

通过这次培训，我理解了如何通过艺术教育的有效教学活动，更好地帮助幼儿养成良好的学习习惯，在“热爱学习”和“善于学习”两方面怎样促进幼儿学习品质的不断完善。在以后幼儿园的教学中，我本着这个目标，努力尝试培养幼儿的学习品质，更好的激发幼儿的好奇心，发挥幼儿的好奇心，让幼儿更好的在学中玩，玩中学。

绘画技巧和心得体会篇八

引导语：对风景的描绘应该注意哪些技巧与方法呢?以下是小编整理的风景绘画技巧，欢迎参考阅读!

临摹和写生都是色彩训练的必经之路，对美术高考生来说没有选择，必须练习。但如何安排分配练习时间，使临摹和写生相互融会贯通，却是很有讲究的。

1、临摹加快学习速度

临摹就是向优秀的作品取经，向色彩高手偷师，是学习绘画必不可少的一个阶段，是学习色彩的捷径。可以结合学生的实际能力，由教师来精心挑选高考内容相关的范画，提出明确的要求，使学生认真学习作品的精华，加深对色彩规律的认识和理解，学习范画成熟的表现手法、完美的艺术处理以及高雅的审美情趣。这样的学习往往能达到意想不到的加速学习的效果。

考生临摹色彩风景可以分三步：初学色彩时通过临摹了解大致的作画步骤、空间造型和色调处理;中途可以对急需解决和掌握的个别物体或特定景色集中临摹，学会特定景物的作画方法;考前两个月选择高考可能出现主题作临摹和默写的组合练习。

2、风景写生加深感受和理解

色彩风景写生是训练色彩感觉、把握色彩变化规律、感受自然界美的最有效方法之一，具有其他训练手段不可替代的重要性。大自然为我们提供了变化无穷的复杂色彩世界是临摹所无法替代的。在具体教学活动中，首先教师要对写生前期做好充分的准备，有明确的学习目的，使美术高考生有备而来。其次，在具体实践过程中，教师必须有系列循序渐进的教学安排，先易后难，培养学生用整体的眼光比较地观察自然。再次，教师要通过美景激发学生热爱生活、热爱大自然的情感，以美好的情感激发作画热情。教育学认知规律告诉我们只有通过自己独特而真实的感受，才能创造性地再现自然美。实践证明，只有通过实景写生，考生才能在考试中画出色彩丰富而又和谐的高分作品。

1、整体关系优先原则

“整体观念”是一个老生常谈的话题，也是一个较难解决的问题。相当一部分学生“只见树木不见森林”，不是造型、结构不准，就是上调子时死抠局部，使局部与整体脱节。画面的花、杂、乱，虚实关系处理不当，画面色调不和谐都是整体与局部处理不当的结果。作画要的是整体的最后效果，没有整体的局部，再精彩、再深入也毫无意义。忽视整体的局部将最终造成全画的失败，优先照顾整体关系的局部将为画面锦上添花。整体关系还应该特别注意色彩、形式、技法背后的风景画的意境，更多地去品味、去认识它。每一块色彩、每一个形式、每一种技法背后都有着一个鲜活的感觉，都代表着一种精神元素，都是一种生命语汇，抓住了它，也就抓住了艺术的灵魂;掌握了它，我们就有了一种自己的、展现心灵内容的艺术“话语权”，同时也增加了自己作品得高分的几率。训练整体关系有方法和技巧可循，比如用风景照片叫学生作有取舍的构图练习、画16开小稿的色调练习等形式对训练整体关系都很有帮助。

2、局部是整体的基石

虽说整体重于局部，但整体要由一个个的局部组成。局部景物的生动与否直接影响画面效果。色彩风景画要学会一些局部的画法：学会画房子，一般建筑物要画出体积关系，宜用干画法，用笔肯定保留一些笔触的效果会更有块面感，还要注意早中晚不同光线和周围环境色对墙面的影响。画树木要注意种类和形状特征，枝叶茂盛的树以表现树叶为主，注意树冠的形态自然生动、明暗块面有不同层次;枯树则以表现它的主干和枝条的形状为主，尤其要注意一般枝干的明暗变化都是上暗下亮。画水面时注意 “水天一色”是水乡风景画中的一大特色，指水面反射了天空之色。而水面除了反射天空之色外，便是其水的.固有色，只有靠近色彩，景物的倒影才会有其景物的颜色影响;水中的倒影在画面表现为色彩和明暗对比弱，静水的表现技巧常常先用垂直笔法表现倒影，然后用横笔表现水纹：水纹的透视关系是近宽远狭、近长远短、近强远弱。荡漾的水可以用小碎笔法横拖出闪光的波纹。画天空时一般接近山和物体的地方亮，远离物体的地方暗。

画面局部还可以增添画面整体的情调，如下面两幅画中的局部人物就使整幅画作充满了生活情趣，起到“以人点景”的作用。

1、应试是当前任务

对于广大考生来说，应对眼前的美术院校招生考试是最紧迫的任务。应对考试有一些特殊的技巧和方法：首先要合理安排考前训练。一般考前两个月之前宜组织风景写生，通过实景写生丰富自己擅长的色系，提高组织画面的能力。到了考前两个月之内应该选择水乡风情、有房子和树的田园风光、夕阳下的湖面等高考常见题材进行临摹和默写的组合强化练习。白天练习色彩，晚上安排素描课程，以达到最佳的进度。

其次对考试时间分配心中有数。拿到考题要安排10分钟左右审题，认真思考画面的构图、色调、最终效果;构图起稿10分钟左右，确定远、中、近景的位置关系和物体的大致轮廓。铺大调子40至60分钟左右，遵循由暗到亮、由主到次、由后到前的顺序，迅速画出画面的主要调子和冷暖关系。深入塑造占考试时间的2/3左右，具体深入地表现景物的体积、空间、冷暖、主次等，使画面有精彩的局部刻画。调整阶段30分钟左右，应从全局的高度审视全画，调整与整体不协调的地方。

再次做好考试的准备工作。准备材料要齐全充足，用自己习惯的画笔，颜料要挤满，检查水桶是否漏水等。对一些基础不扎实的学生，教师可以让他带两盒颜料，其中的一盒里放教师帮学生调好的颜料，把画树、房子、水面等常见景物的常用色每种调出不同变化的四五个层次颜色，学生可以在考试时直接上相应的颜色。

2、发展是长远目标

考试是一时的目标，今后的发展是长远的目标。想靠考前两三个月突击考上美术院校的念头是很危险的，即使幸运地上了分数线，你的大学生涯也会非常辛苦的。所以愿考生们在平时的色彩练习中尽力提高自己的基本功，为将来大学学习和从事美术工作打下扎实的基础。

绘画技巧和心得体会篇九

莫奈油画印象派油画的代表，他一直是印象主义画家集团的核心人物，以下是小编为大家精心搜集和整理的莫奈的绘画技巧，希望大家喜欢!

莫奈， 是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技 法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，看不到突显或平涂式的轮廓线。除此之外，莫奈对于色彩的运用相当细腻，他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅的描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。

印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法，比其他任何人贡献都多。这一点是毋庸置疑的`，印象派的创始人虽说是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为他对光影之于风景的变化的描绘，已到出神入化的境地。

莫奈曾说过：作画里，要忘掉你眼前是哪一种物体，想到的只是一小方兰色、一小块长方形的粉红色、一丝黄色。因此，就出现了画家的创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上，或只是局限于表达在一定条件下，景物着光给画家留下的瞬间印象上。因此，就有可能导致只抓住了细微的变化，而失去了解对全局的把握；只反映了微妙的色彩层次，而忽略了景物形体的后果和全局。

：莫奈很喜欢反复画在不同时间与光线下的同一景物来捕捉瞬息万变的色彩印象，他在这方面的能力似乎无人可及，不愧为印象派的领军人物。莫奈又是最典型的外光派画家，几乎所有重要作品都是在户外完成的，甚至连有人物的大型作品也不例外。

：由于莫奈忠实于印象派的原则，只画眼睛所感觉到的，所以他往往会同时画好几幅画，但每一幅画则分几天画完，而每次少到只画十几分钟，甚至几分钟，以便保持光线的同一性。在已经干燥了底色上，莫奈使用稠厚的油画颜料而不加调色媒介剂，为的是保持色彩的饱和鲜明。

莫奈的用笔松动灵活，时而薄擦，时而厚涂，点，划、堆、抹、随心所欲。但是这一切都是建立在坚实的造型功底、科学的色彩理论、过人的勤奋努力和莫奈个人独有的色彩天赋基础之上的。

绘画技巧和心得体会篇十

漫画是绘画艺术的一个品种，常采用夸张、比喻、象征等手法，讽刺、批评或歌颂某些人和事，具有较强的社会性，也有纯为娱乐的作品，有较强娱乐性，娱乐性质的作品往往存在搞笑型和人物创造型。以下是小编整理的关于漫画人物绘画技巧，希望大家认真阅读!

如今就让我们从最常见的幽默诙谐的画面式眼球--“美貌女子型大眼”的画法着手啦。先画一条上进弯的曲线,曲线无上处的线条要画得些微粗些。这处我们画的是脸部右面的眼球(也就是人物的左眼)，因为这个曲线左端要比右端高(日式的大眼球眼犄角儿有点耷拉，楚楚怜惜的模样，然而垂得太利害了，虬龙女便会成老龙婆)。 实际上这个还没成型眼球的顶端并非完美的曲线，而是稍带些棱角。也有点类型的眼球几乎绝对在正顶端屈曲.

擦掉匡助线，在眼球里边画一个长的鸭子蛋圆形。也有点幽默诙谐的画面人物的虹膜(就是眼球)是个大的圆形, 然而这处我们把它画成纤纤的鸭子蛋圆形，当然你可以依据自个儿的爱好把式样调宽些。鸭子蛋圆形上部将被上眼线所覆盖--实际上无论哪种风格的眼球，我们都没有办法绝对看见整个儿眼球，上部几乎都要被眼框边缘打掩护(当然惊慌、激愤时例外)。

下一步,绘制眼球高光的大概轮廓线。一般幽默诙谐的画面人物的眼球会有一点暗影。幽默诙谐的画面中女孩普通也都具备表面化的暗影和光泽。稳固建立你画中挑选的光源，况且在整个儿银幕中都是始末未变的。举例来说，假如在一张画中光线是从左面映射的,那末银幕剩下局部的高光区也务必源于左面,否则光线所萌生的明暗关系就不协调了(错非你运用了多个光源，然而本教材不牵涉到此范围)。画两个长鸭子蛋圆形: 大的`鸭子蛋圆形在虹膜(眼球)的左上部(与虹膜的边缘层叠,如图所示),细小的那一个在眼球的另一边儿。

继续,在高光的下边画上瞳孔。高亮区普通位于上端，务必别把瞳孔画到高光下边了。 再绘制眼睫毛，我们所画的这个眼球，眼睫毛是从眼球右上部长出的蝉联的穗状物。眼睫毛要顺着眼球的曲线来画,看起来才会像是由眼上长出的，别光画些粘在她眼球上的“z”形的折线^_~实际上眼睫毛就是从眼皮儿上面娩出的纤小曲线啦。

(此小地儿述为ps的功能)点击层面板上的选框，将层1设定为 "尽力照顾区透明区"(preserve transparency),如左图所示。这么你只能在已有的线条上加色，而不会把没涂颜色的空白处弄脏。 它的效用十分关紧。:)选一支大的画笔，用纯黑色(0,0,0)在整个儿银幕上涂抹。 所勾的边线将会成为它应有的黑色。 :)

好，现在我们开始画另一种风格的眼睛--不是我们通常所见的一种。 这种类型更细长、优雅，看起来也写实一些, 所以比较严肃的动、漫画中常常采用。这种特殊的眼睛属于deedlit “lodoss war”(是不是《罗德岛战记》?)类, 比杀手还要酷得多的造型(这种眼睛始于杀手!)。先画一条细长的曲线。左边应该比右边低，而且线左边的转折处要锐利一点。

为了易于定义眼球的底边,从眼球的边缘着手轻轻画两条对角交错线作为匡助线。与上头的教程不一样，此处的匡助线没那样子铅直。匡助线越趋于平行线,眼球将会越小。不过也别画得太过于平直,由于你不会期望这双眼球成为侧目吧。经过匡助线绘制眼球的底线。

擦掉匡助线，绘制虹膜(眼珠子)的大概轮廓线。 假如没有眼皮儿,眼珠子将会是一个完美的圆形。不过，眼珠子既被眼皮儿的边缘挡住,则我们看不到眼球的顶端和底部。眼珠子不要画太小，至少你能看到完整的物体。(错非你想要奉达某种情绪，譬如悻悻还是惊讶，然而这是另一小批所讲评的内部实质意义了)

绘画技巧和心得体会篇十一

xxxx年xx月xx日上午，有幸能够听到王中年大师在乐东中学的有关于中国绘画和他的艺术人生讲座，这次讲座对于我们非美术专业老师来说，是一次非常难得的学习机会，时间虽短，但感收获颇丰。

接触美术最早是从素描开始，所以慢慢就觉得画得越像就是越好的，但是现在才发现其实不然，就像王中年大师讲中国绘画和西方绘画的时候说：“中国绘画注重意境而西方绘画注重写实。”西方绘画是表象的，具体的，非常的写实，讲究的是对自然的真实表现。所以西方的画很像十分逼真。而中国绘画不同于西方绘画重于写实，中国绘画重在写意，这个写意可不是大概其意，写的是意象、理想，写的是画境、意境，更是一种境界。所以有那么一句“诗中有画，画中有诗”的说法。所以中国画光靠技术是不行的，你不仅要画得好还得有文化。他涉及到诗、书、画、印各方面的修养，这也是中国画中总是有着深刻的内涵！同时中国绘画是圆中求方而西方绘画是方中求圆！

美术对于我来说一直只是一种兴趣爱好，虽然它现在成为我工作的一部分，但是我却从来没有系统的认真的去学习它、接触它。而我们在教学的时候也只是教一些简笔画和手工之类的，很少教学生学习中国绘画，可能这和学生的能力程度有关，但是不可否认这也是我们的存在的'缺失，我们不了解中国绘画，同时在美术的教学中我不能以像与不像来评价孩子的作品，要多去看看学生作品所表达的意思，而王中年大师的讲座正好为我们打开了这扇窗！在以后的教学中如果有机会可以让学生都接触和了解中国绘画，在教学的过程中和学生一起了解中国绘画，让人生充满艺术！

绘画技巧和心得体会篇十二

静态速写指在一段时间内相对静止不动的动态，如男女青年站姿或者坐姿、看书等。此类考题主要是考查考生对人物整体结构的把握能力和表现能力。静态速写考题经常出现，其目的是要求考生把对象的结构比例画正确，形象刻画充分。但是由于绘画的参考对象是静止的，所以考生还是比较容易掌握的。

2．动态速写

动态速写有规则性动态和不规则性动态两种，它是现在美术高考中速写命题的大趋势。

规则性动态速写是指绘画对象进行规律性地重复运动的动态。如拍篮球这一动态，主要是速写对象基本的位置不变，只是局部处于循环往复的运动动态；又如跑步的动态，主要是速写对象整体所做的规律性动作。今年广东联考的速写考题是要求考生画骑自行车的人，就属于此类。画动态速写，关键是要抓住有代表性的某一动作瞬间。一般来说，一个动作在开始或结束时较有代表性。

不规则性动态速写是指那些重复动作较少的动态。如打球、舞蹈等动作，要画好这些动态对于考生来说是比较困难的，但是，这些动态形象在生活中往往也会反复出现，虽然说千变万化，但如果考生反复观察过这些动态形象也就不难了。因此，考生要画好不规则动态速写，除了要掌握解剖知识和运动规律外，还要多关注现实，随时随地留意观察生活中人物的各种动态特征。没有一定的生活知识，我认为是很难画好这类速写的。

二、多个人物的场景速写

表现某一环境中的相互关系的几个或一群人的速写称为场景速写。美术高考中的场景速写一般以人物为主体，以环境为辅，如市场一角等，主要是表现几个人物形象为主的一个小场面。人物一般要求三个以上，画面要有生活情趣。那么考生一定要交代清楚人与人之间的动态、神态，人与物之间的相互关系。当然，最重要的还是要自然生动、主题突出，有主次、有呼应、有远近，不能各不相顾，缺乏对比。这类速写考查的主要是考生的表现能力和审美能力，虽然难度较大，但是有天赋的考生也会脱颖而出，所以那些专业性比较强的高校一般都会采用类似的考题。

人物速写考试的要求

一、人物基本结构与比例准确

考生要理解人物结构的透视、比例、穿插以及运动规律，采用概括的手法来表现人物的动态特征；在对大的形的把握的同时，要注意交代每个转折部位的相互关系，注重绘画的视觉感受，这是画好人物速写的前提。

二、人物的动态协调舒展

一幅好的速写也会给人强烈的审美享受，这是无可辩驳的事实！好的速写必须要求描绘对象的动态自然、协调，让人看起来比较舒服。要达到这一点，绘画者的眼光就显得尤为重要。所以说如何构图，怎样选取绘画角度，怎样的姿态更合乎审美情趣，这些都是考生要思考的问题。

三、线条要有较强的`艺术性

线条主要是通过长短、轻重、疏密和浓淡来表现的。流畅的线条可增强画面表现力和生动性。线条与形体结构的巧妙结合，是生动表现人物的前提。以浓淡、缓急的线条来表现人物，有利于增加层次感，区分质感，提高艺术的感染力。

四、用笔果断概括

用笔的果断与否，直接反映了考生对速写技法掌握的熟练程度，同时也反映出了考生的个性以及绘画修养。那种犹豫用笔的速写是很难表现出速写的感觉的！考生应牢牢把握住整体、大局，以最简练的用笔去概括地表现对象的主要形象特征，适当放弃一些细微末节，这样才能达到速写的有效办法。

绘画技巧和心得体会篇十三

一些人物具体形象的速写,但这个速写是有一定要求的,下面是小编为你带来的速写绘画技巧，希望对你有所帮助。

静态速写指在一段时间内相对静止不动的动态，如男女青年站姿或者坐姿、看书等。此类考题主要是考查考生对人物整体结构的把握能力和表现能力。静态速写考题经常出现，其目的是要求考生把对象的结构比例画正确，形象刻画充分。但是由于绘画的参考对象是静止的，所以考生还是比较容易掌握的。

动态速写有规则性动态和不规则性动态两种，它是现在美术高考中速写命题的大趋势。

规则性动态速写是指绘画对象进行规律性地重复运动的动态。如拍篮球这一动态，主要是速写对象基本的位置不变，只是局部处于循环往复的运动动态；又如跑步的动态，主要是速写对象整体所做的规律性动作。今年广东联考的速写考题是要求考生画骑自行车的人，就属于此类。画动态速写，关键是要抓住有代表性的.某一动作瞬间。一般来说，一个动作在开始或结束时较有代表性。

不规则性动态速写是指那些重复动作较少的动态。如打球、舞蹈等动作，要画好这些动态对于考生来说是比较困难的，但是，这些动态形象在生活中往往也会反复出现，虽然说千变万化，但如果考生反复观察过这些动态形象也就不难了。因此，考生要画好不规则动态速写，除了要掌握解剖知识和运动规律外，还要多关注现实，随时随地留意观察生活中人物的各种动态特征。没有一定的生活知识，我认为是很难画好这类速写的。

表现某一环境中的相互关系的几个或一群人的速写称为场景速写。美术高考中的场景速写一般以人物为主体，以环境为辅，如市场一角等，主要是表现几个人物形象为主的一个小场面。人物一般要求三个以上，画面要有生活情趣。那么考生一定要交代清楚人与人之间的动态、神态，人与物之间的相互关系。当然，最重要的还是要自然生动、主题突出，有主次、有呼应、有远近，不能各不相顾，缺乏对比。这类速写考查的主要是考生的表现能力和审美能力，虽然难度较大，但是有天赋的考生也会脱颖而出，所以那些专业性比较强的高校一般都会采用类似的考题。

考生要理解人物结构的透视、比例、穿插以及运动规律，采用概括的手法来表现人物的动态特征；在对大的形的把握的同时，要注意交代每个转折部位的相互关系，注重绘画的视觉感受，这是画好人物速写的前提。

一幅好的速写也会给人强烈的审美享受，这是无可辩驳的事实！好的速写必须要求描绘对象的动态自然、协调，让人看起来比较舒服。要达到这一点，绘画者的眼光就显得尤为重要。所以说如何构图，怎样选取绘画角度，怎样的姿态更合乎审美情趣，这些都是考生要思考的问题。

线条主要是通过长短、轻重、疏密和浓淡来表现的。流畅的线条可增强画面表现力和生动性。线条与形体结构的巧妙结合，是生动表现人物的前提。以浓淡、缓急的线条来表现人物，有利于增加层次感，区分质感，提高艺术的感染力。

用笔的果断与否，直接反映了考生对速写技法掌握的熟练程度，同时也反映出了考生的个性以及绘画修养。那种犹豫用笔的速写是很难表现出速写的感觉的！考生应牢牢把握住整体、大局，以最简练的用笔去概括地表现对象的主要形象特征，适当放弃一些细微末节，这样才能达到速写的有效办法。

绘画技巧和心得体会篇十四

在艺术用语的层面上，绘画的意义亦包含利用此艺术行为再加上图形、构图及其他美学方法去达到画家希望表达的概念及意思。下面是小编为大家整理的关于色彩的绘画技巧，欢迎大家的阅读。

写生观察不外乎整体和对比，所谓整体观察就是彼此对照，区别不同，特别是用“同类对比法”最能照会到微妙的色彩变化，把相同或接近的色彩进行反复区别，找出色差，然后再分解调出。为了避免局部观察物体，最好侧身用余光意会物体的色彩，从而避免“死盯”。观察物体时可以上下左右，跳跃着对比观察，这样可以加强不同物体，不同方位的色彩的联系与区别。另外，看一个物体时间久了，视觉容易疲劳，导致色彩感觉迟钝，怎么办?你可以把头部向肩膀歪一歪，改换一下视觉习惯，这时你又会对眼前物体的色彩感受变得新鲜，我用这种办法让许多学生找到了感觉。

临摹优秀的范画，从中可以学习表现技巧，感悟色彩魅力，通过临摹可直接学到如何调色，如何用笔塑造形体，如何分辨色彩的冷暖和组织色调等等，并且还能进一步熟悉水粉颜料的性能和水粉画的干湿技法。当然，对于初学色彩的学生，强制临摹是茫然的，特别是在没有任何色彩知识的情况下，盲目临摹很枯燥。为了使学生对色彩画有一个良好的兴趣和开端，临摹前应当先简略地了解一点色彩基本知识和水粉画要解决的基本问题，其次还应该明白临摹的重要性，例如中国画的学习，都是从临摹开始的，有的国画家甚至一生都不遗余力地临摹前人的作品，不断地从前辈那里吸取营养，来提高自己的表现能力。特别是国画注重笔墨的要求，对水粉画的用笔也是同样适用的，这一点往往被许多任课教师所忽视，只强调色彩理论，而不注重用笔机趣，忽落了对画面的形式美追求。临摹时应当带着问题，从理解入手，先看画面是何类色调，是暖色调还是冷色调;是绿色调还是红色调;是深色调还是亮色调。从素描角度和冷暖角度逐一认识比较，何处最深，何处最亮。何处色彩鲜艳，何处色彩较灰。哪些属于暖色哪些属于冷色。光源色、固有色和环境色是如何变化的等等，然后在调每一笔色彩的时候不但要注意如何调准色彩，同时还要考虑如何用笔，是摆还是点，是湿还是干，是大笔触还是小笔触等等。做到胸有成竹，否则不求甚解，被动机械地照搬照抄不但进步缓慢而且降低兴致，日久会失去对色彩的热情，导致“望色兴叹”。

做为水粉画的调和剂，水是水粉画、水彩画和水墨画等画种不可缺少的主要媒介。虽然水粉画也可以象油画那样采用干画法和厚涂法，但还是有许多限制。没有水就不能更好地发挥水粉颜料的性能。教水粉画多年，我发现许多初学者之所以画不好水粉画，很大程度上是因为没有用好水，因为水的运用是几乎贯彻做画始终的。忽视了水的把握，也就忽视了基本方法的讲究。建议你先准备一块吸水性能较好的毛巾，为的是每次涮笔后在上面吸吸水，当然干画法和湿画法对水分多少的.要求是不一样的。在这里建议初学者不妨按以下步骤进行：开始调色前把笔在水桶里用力涮几下(对初学者来说，最好把笔涮干净)，再用力甩三四下，之后开始调你要的色彩。调准后不要急于摆在画面上，而是把含色的笔在水桶里轻轻地蘸上微量的清水，然后在调色板上。

对于初学者，有两个难点令人困惑，一是面对静物看不出色彩变化，二是看出颜色调不准色彩。我认为看不出色彩，不是色盲色弱，就是方法不对。看出颜色，调不出来很大程度是和经验有关。教水粉画十多年，我认为唯一不能教的就是调色，为什么呢?因为每一个人的感觉不一样，看出的色彩有差别;调色时种类的多少，比例的多少都可能制约着所调之色的准确与否。要想把看到的色彩调的比较准确，首先要把感受到的色彩进行归纳，看看它和哪种颜色更接近，区别在哪里?然后进行分解，把看到的颜色最多分解成两种色或三种色，不可太多，多了就容易脏，比较以下哪两种或三种色最能配出你需要的颜色。接下来就要尝试比例的分配，也许颜料量的比例是我们调色时最难把握的。比例不正确，调出的颜色不是倾向不对，就是过而不及。有学生常常问某一块颜色怎么调，例如画黄苹果的亮部，我告诉他，用白色加淡绿再加柠檬黄，可是等他调出来时可能缺少绿色倾向，或可能太生绿，也可能太粉气，所有这些都说明调色的方法有时真的没法教。只能凭自己的感觉。

也许每一个初学者都是从素描开始自己的绘画历程的，色彩和素描是相互联系又彼此不同的绘画两个形式，当我们能看出一定色彩关系后，怎样才能把一组静物塑造的体感足，空间感强呢?如果没有素描的专门联系，色彩的塑造永远都可能无从谈起。所以，当我们面对一组静物时，除了努力观察，理性的素描处理能力是形体塑造的基本依据，当然我们不能为素描而素描，一味的强调明暗关系也许会失去色彩的意义。用颜色画素描是水彩画的大忌。怎样塑造呢?可以用概括的方法对基本形体进行“三大面五调子”的分析，强调笔触的独立性，把一个物体归纳为有限的几块颜色，即块面画法。这样，画面就会层次分明，色彩简洁明确，加上笔触的变化，作品就显得干净利索，形体结实，具有很强的表现性。关于块面的塑造方法，初学者可以多练习一些从明到暗的色阶推移，来区分色彩的层次。

绘画技巧和心得体会篇十五

绘画艺术在二度平面上创造物象与空间，展示现实生活与想象世界的多样景观，传达人的思想感情。下面是小编为你带来的如何提高绘画技巧 ，欢迎阅读。

有些人画了好多年的画，真正领悟到绘画的真谛可能只在一瞬间。

——前言

很多时候，我们问别人如何学好画画时，往往只得到一个答案：就是多画多练多观察。当然我也知道多练多观察才能画出好画，但是我总感觉里面还有些什么东西隐隐需要我们去了解，不然盲目的去画去练，我们越画越糟糕，心情也变得烦躁，不想再画下去了。

这里把我的学画的经历和感悟写出来与大家分享，希望能帮助更多还困在里面的朋友走出来。

当初我还是一个初学者的时候，虽然我很喜欢画画，但是无论我怎么画怎么改，就是画不好，更要命的是，明明知道不好看，就是找不出原因。

我没经过正规的美术培训，所以学画时比一般专业生要累很多。虽然以前有上过美术课，老师也只是简单教我们画些基本立方体和苹果，然后我们就跟着画，很多都是靠我们自己的感觉去画画，结果发现越画越不对劲。

画了好长一段时间，我的画画水平一直没有多大的进步，顶多也就把整体画得看起来舒服一点。水平一直上不去。很是苦恼。

直到后来我悟出了下面几点绘画要领之后，我的绘画水平才慢慢走上专业轨道。

我的绘画技法突然间提高经过几个转折点，这几点说起来很简单，却是花了我好长的时间断断续续摸索出来的。

采用长线作画。

刚开始学画的时候，总喜欢一点一点慢慢的描，花了很多时间，终于把一个物体画完了，最后一看，很不专业，线条看起来很乱。这段经历延续了好几年的时间，后来经一个人的无意中的一句话，才知道应该采用长线画画，顿时发现好轻松，以前花一两个小时才能打完的线稿，用这种方法，半个小时就可以画好了。用长线作画，第一次让我感受到的画画的快感。

整体作画。

以前画画的时候，习惯从上往下画，或从左往左画，或先把一个细节画得非常好，再画其它的。最后花了几个小时画下来，发现走型了。

后来我开始采用定点，用长线连起来，从整体入手，先把大体轮廓打出来，再刻画细节，从此画面整体效果及物体结构再很少出现变形或变歪的情况，速度也提高了好几倍。

暗部尽量加深。

很长一段时间画画时，暗部不敢涂黑，担心会把画弄脏，而最后画面都是灰色的，没有立体感。后来采用电脑画画时，才敢画黑。从此我的画体积感要比以前强很多，画面再也不是灰色的`。

学会铺大调。

以前不管是上色还是上明暗，总喜欢一块一块的上，上好这一块，再上另一块，整张画上完色下来，发现很不协调。后来因为偷懒，想画得更快一些，就给它大体明暗，结果不小心发现了这种方法，很科学，很实用。从些绘画技术又更上一层楼。

理解透视原理

以前画画时，总找不出图变形的原因，其实变形80％都是因为透视错误，百分之20％是因为结构错误，当我研究了透视原理后，不但知道近大远小，近实远虚，近疏远密等原理，还知道什么是一点透视，两点透视和三点透视。到后来研究的四点透视，五点透视，曲线透视，对我的创作都有相当大的帮助。现在想画什么角度就画什么角度，很轻松。学透视，关健在于理解。理解透了，你的作品效果也会极速提高很多倍。

光影的一致性

很长一段时间，一直观察不好光线，总感觉这里光那里也有光，最后画的时候也都留光，结果一幅画下来，到处都是黑点和光块，很乱很脏。

有时候是上半身光从左，下半身光从右，经常发生光影混乱。虽然当时感觉挺好，但是后来看多了大师级作品，才发现自己的作品很不符合常理。从那开始，我才注意到画画必须要设定一个主光源，光和影必须要一致，我的作品又提高了一个层次。

放松心情作画

以前画画时，总喜欢看个东西画（临摹），才能画得出来，如果什么都不看，自己想脑子就会一片空白。不知道从哪下笔。

后来一次搬家，很多书都没带，自己很无聊就拿笔乱画，自己想到什么画什么，突然间发现好轻松，再也没有那么多的条条框框约束，那个时候起，我才第一次体会的画画是件最快乐的事。想什么就画什么，那种感觉很舒服。 从此我再也没有临摹过任何东西，也喜欢上了原创，相反我还感觉临摹是一种痛苦。

采用电脑作画

以前画画的时候，什么都是一笔一笔画的，往往一幅画下来，花了很长时间，效果都不是很理想，后来开始接触电脑绘画后，发现以前用很复杂的方法表现的一个效果，电脑只用一个滤镜几秒钟之内就可以表现了，从此我发现了一个神奇的绘画世界！

后来再去研究物体的结构，体积，透视，光影，空间，质感，力学，色彩等等，绘画手法也越来越成熟，发现绘画的世界真的很精彩。

初学者要一下子改掉以前的绘画习惯，估计得经过很漫长的心理斗争。

什么时候突破了以上几点，你的绘画水平肯定会闪电般的提高！

绘画技巧和心得体会篇十六

20xx年03月05日上午，有幸能够听到王中年大师在乐东中学的有关于中国绘画和他的艺术人生讲座，这次讲座对于我们非美术专业老师来说，是一次非常难得的学习机会，时间虽短，但感收获颇丰。

接触美术最早是从素描开始，所以慢慢就觉得画得越像就是越好的，但是现在才发现其实不然，就像王中年大师讲中国绘画和西方绘画的时候说：“中国绘画注重意境而西方绘画注重写实。”西方绘画是表象的，具体的，非常的写实，讲究的是对自然的真实表现。所以西方的画很像十分逼真。而中国绘画不同于西方绘画重于写实，中国绘画重在写意，这个写意可不是大概其意，写的是意象、理想，写的是画境、意境，更是一种境界。所以有那么一句“诗中有画，画中有诗”的说法。所以中国画光靠技术是不行的，你不仅要画得好还得有文化。他涉及到诗、书、画、印各方面的.修养，这也是中国画中总是有着深刻的内涵！同时中国绘画是圆中求方而西方绘画是方中求圆！

美术对于我来说一直只是一种兴趣爱好，虽然它现在成为我工作的一部分，但是我却从来没有系统的认真的去学习它、接触它。而我们在教学的时候也只是教一些简笔画和手工之类的，很少教学生学习中国绘画，可能这和学生的能力程度有关，但是不可否认这也是我们的存在的缺失，我们不了解中国绘画，同时在美术的教学中我不能以像与不像来评价孩子的作品，要多去看看学生作品所表达的意思，而王中年大师的讲座正好为我们打开了这扇窗！在以后的教学中如果有机会可以让学生都接触和了解中国绘画，在教学的过程中和学生一起了解中国绘画，让人生充满艺术！