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兵马俑美术鉴赏论文篇一

这学期我有幸上了美术鉴赏课。老师为我们介绍了有关绘画、建筑、雕塑等方面的知识。使我对艺术产生了一定的兴趣。在这里，我就浅谈一下对艺术美特征的一些认识。

艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态，它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动，从本质上说，也是人的本质力量的定向化活动。因此，艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。

艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此，艺术美的主要特征便集中表现为：形象性、主体性、审美性等基本特征。

（一）艺术美的形象性。

艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。二）艺术美的直观性。所谓直观性，就是具体生动性和直接可感性，它能够直接作用于人的感觉器官而在大脑中产生感觉、知觉和表象，并进而产生联想或想象。这是因为任何艺术美总是由形象的美决定的。而一切形象又都是直观的。有些艺术作品中，艺术美的直观性表现得十分明显。例如意大利文艺复兴时期著名美术家达·芬奇的优秀肖像画《蒙娜丽莎》。在另一些艺术作品中，艺术美的直观性虽然不如上面所说的那么明显，但是，它们也直接作用于我们的感觉器官，使我们经过联想或想象，在脑中产生出美的形象。

（三）艺术美的审美性。

艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。

（四）艺术美的主体性。

艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活，但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。

（五）艺术美的协调性。所谓协调性，最根本的是指内容和形式的统一，也就是说以完全美的艺术形式表现真实的生活内容。艺术作品的美，表现在形式同内容有机地联系一在起，并且由内容来决定，而内容又仅仅在一定的形式之中。这主要是由任何艺术美总是生活的反映来决定的。

（六）艺术美的典型性。所谓典型性，就是艺术作品中的形象既具有鲜明独特的个性又能反映一定社会本质的某些方面，并寄寓着艺术家的审美理想和审美情感。恩格斯要求作家塑造“典型环境中的典型性格”，就是指的这种典型性。毛泽东同志所说：“文艺作品中反映出来的生活却可以而且应该比普通的实际生活更高，更强烈，更有集中性，更典型，更理想，因此就更带普遍性。”也是指的这种典型性。艺术美的典型性这一特征，同样是由艺术美的基本内容决定的，它是人对于美的理想的追求和体现。

（七）艺术美的民族性。所谓民族性，就是各民族在长期的共同生活过程中形成的各自的审美理想和艺术形式的特点。换句话说，任何一件艺术作品中的美都必然具有产生这种美的各个民族的不同特色。这是由于任何一位艺术家都从属于一定的民族，他的作品中的美必然不能超脱他所在民族的整个历史。

随着时间的推移，美术鉴赏课即将结束。很感谢老师为我们提供了那么多有关艺术方面的知识，弥补了我在艺术知识上的不足，也使我对艺术产生了兴趣。希望在今后的学习生活中，我能继续汲取艺术方面的知识，不断充实自己，丰富自己，提高自身的内涵。

兵马俑美术鉴赏论文篇二

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间（即平面）里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。

荷兰画家梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。

梵高生性善良，同情穷人，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安，终于把他撤了职。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。

梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。

他作品中所包含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在时代的前面，的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象，他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。

提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老的、成熟甚至是行将颓败的，花瓣残缺不齐，枝桠僵硬并扭曲倾斜。这似乎暗示着某种宿命，虽然在强烈阳光的沐浴底下，向日葵还是逃脱不了苍老颓败的结局，仿佛一切都那么短暂地辉煌，世间万物都不可能像太阳一样永恒放光，短暂似乎是一切万物的宿命。然而，梵高将阳光的金黄色强加给了所有的背景物，空气、花瓶和台布等等。当他一笔笔仔细地完成从调色板到画布的颜料转移时，他应该看到，整个画室里已经被那种耀眼的金黄色所照亮了，包括他的脸，他那严肃的表情，他的精神世界。在梵高的笔下，那一团团如火焰般的向日葵，不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体，他们更狂放地表现出画家对生活的热烈渴望与顽强追求，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久激动。

梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生，在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情中去。

梵高的另一幅代表作品《星夜》，画于1890年6月，现藏于纽约现代美术馆。《星夜》呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，一是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。暗黑的龙柏树巫一样飘舞着，涡旋般的星云、旋转的大小星体、甚至是新月都在快速旋转中。那种狞厉的流纹仿佛是宿命的流向，一切都是动荡不安的，摇摇欲坠的。而教堂的尖顶显得那么渺茫无助，它的尖顶几乎被夜空的涡漩所淹没。梵高的世界其实就是如此脆弱无助，而他陷入了一个无法摆脱的涡漩中。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。

梵高曾在给弟弟迪奥的信中写道“凝望着璀璨的星空，我总是不由得浮想联翩我不禁问自己，为什么夜空中闪烁的亮点不能像法国地图上的黑色标志那样容易到达呢？我们只需坐上火车就可以到达特鲁斯肯或卢昂，而到达星星那里却要经历一次死亡之旅”。梵高所描绘的那些搅动着的漩涡似的星辰，在我们看来也许只是新奇创意的景色，但事实上那是作者心中的暗涌，以及对死亡的诠释。或许对于梵高来说，死亡并不是灾祸，而是通向天堂的隧道，是种精神的解脱。

失。它仿佛一个举着双臂的人，平躺着，双肩上举着丰收的麦田。那种令人激动并慰藉的金黄色，仿佛太阳照耀的圣域，它点燃了一个人的内心的喜悦。而却在此时，天空令人不安地被乌云遮住了，准确地说，那是一群会飞动的阴影，它是一群乌鸦，纯黑色的乌鸦以及远处天空中出现的阴霾仿佛是女巫的黑色大氅一样遮住越来越少的阳光和麦田的光芒。它是一种矛盾的心情，是一种内心深处隐约的恐惧。这就是濒临死亡之前的梵高的世界，他眼里的世界分为两种颜色，一种是令人激动的金黄色，它是属于他那执著的精神的阳光色彩，另一种是令他恐惧的阴影和失望，他对那个世界失去了最后的信心，他的心情因此被切割瓦解，一块麦田因此陷落，一片阳光因此而支离破碎。

梵高以自己的生命为赌注作画，像荆棘鸟般用灵魂与鲜血谱写生命的最后华章。在这幅绝笔画中表达出梵高的“悲伤与极度的寂寞”，他的结局似乎早就注定了。于是在奥维尔，七月灿烂的夏天，他朝自己的胸膛扣动了扳机，倒下的一刹那他的灵魂归于永恒的金黄色大地，这位癫狂的天才画家终于得到了解脱。梵高一生坎坷，尤其是在生命的。

最后几年，他的精神世界已经完全破碎。一如大海，风暴时起，颠簸倾覆，没有多少平稳的陆地了。然而与之相对的，却是他对艺术的爱。在面对不可遏止的疾病的焦灼中，他说：“绘画到底有没有美，有没有用处，这实在令人怀疑。但是怎么办呢？有些人即使精神失常了，却仍然热爱着自然与生活，因为他是画家！”“面对一种把我毁掉的、使我害怕的病。我的信仰仍然不会动摇！”然而就是这样一个对绘画有着偏执信仰的“疯子”，用其短暂的一生向我们描绘了他对生命的热爱与追求，诉说着他的激情与理想，给我们的生活增添了永恒的色彩。

兵马俑美术鉴赏论文篇三

班级：129711。

学号：

姓名：王艳梅。

电话：

指导老师：薛文勇。

书法班次：13春16班。

学年学期：20xx年-20xx年第二学期。

生活中的美。

——美术鉴赏课有感摘要：美是生活不可缺少的一部分，学会欣赏美术便走出了欣赏美的关键一部分。因此学习美术鉴赏是一门很重要的课程！在这门课程的学习中我们能够学到很多东西。所以，我很高兴这个学期学习了美术鉴赏这门令人陶醉的课程，在老师的带领下，我们在美的世界里留连忘返，学习了许多关于美术的基础知识和发展历史，了解了许多享誉世界的伟大画家，欣赏了许多耳熟能详的经典美术作品，仿佛在紧张的学习之余让自己的心灵找到了一个畅快休憩的迷人小岛。

美术，作为一种美的表达形式，在人们的日常生活中扮演着越来越重要的角色，成为生活的调和剂。

在日常生活中我们可以深刻的感受到美的意义所在。在这个课程的学习过程中我们在一定程度上了解了中国的传统绘画，体味到了中国传统绘画的魅力。我们都从中感受到了华夏传统的美妙，体味到古典的魅力所在。同时我们也了解到中国不同的美术种类，在这门课的学习中感受最多的就是对我国传统文化的了解，增强了民族的自豪感与自信心，有提升了对祖国的爱。中国是有着悠久历史的国度，其美术的发展历史更是一部丰满的史诗。

生活就像火焰，跳动在红色的起点；生活就像水流，流淌在清新。

的田野；生活就薄雾，飘散在命运的蓝天；生活就像树叶，成长在希望的眼前；生活就像大海，不屈在坚实的地平线。生活是美好的，它需要发现美的眼睛。生活中有许许多多的美，它体现在不同的地方。有着不同的特色。细细体会，你会觉得生活很美。

倘若说欣赏自然之美需要睿智和一双善于发现真谛的眼睛，那么欣赏人间真情，则需要有细腻的情感。在高速发达的现代社会，大多因生计而疲于奔波，身边的零散琐碎的事情往往被忽略了，渐渐地把日子过得淡然无味，一头雾水，不知道生活到底为了什么？“母亲啊，你是荷叶，我是红莲，心中的雨点来了，除了你，谁是我在无遮拦的天空下荫蔽？”，作家冰心的细腻由此可见一斑，这应该是她最真挚情感的表白。细腻的情感燃烧时，身边的细微的美肯定会熠熠生彩、璀璨夺目的。此时的生活还会索然无味么。

一次素不相识偶遇的帮助，这也是生活中的美。一次帮助，一声亲切的问候，身边碎事情看起来似乎而繁杂，不经意中大多放弃了，长时间的漠然必然麻木不仁，也就无从谈起美的存在。美是一种毫无标的的愉悦。如果你会欣赏，你会觉得生活之美。

正所谓生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛！的确，生活是五彩斑斓的，生活需要发现，需要我们怀着快乐的心情，乐观的心态去感悟，有了发现与感悟，生活的万花筒才会色彩缤纷，人生的旅途才会熠熠生辉！

当你怀着“曲径通幽处，禅房花木深”“山重水复疑无路，柳暗花明又一村”的心情去感受生活时，你不难发现:曲折中有佳境，艰难中有趣味。当你用心去接触生活时，你不难发现:沉默的会变得亲切，平淡的会变得精彩，丑陋的也会变得美丽！

岁月无声在我们身边穿梭，你会发现一切美好的事物在脑海中定格。秋日的斜晖投下了俏丽的影子，树叶像一只只彩蝶，在空中翩翩起舞，在自己生命的最后一刻尽情演绎自己的美丽，落叶归根！夏夜的繁星调皮地跟我们眨眼睛，有了星星陪伴，任何烦恼孤寂便销声匿迹。春日里“随风潜入夜，润物细无声”的细雨，吹面不寒杨柳风，万紫千红的百花，冬日里银妆素裹的世界。

时间不断流逝，不会因某个瞬间停驻，就像两条平行线把距离拉得再近也没有交点。我们要做的是把纷至沓来的忧虑、烦躁、苦闷、悲伤？?变化成绚丽夺目的五颜六色，给心情涂上颜色，为生活着上颜色。给心情涂上颜色，我们能够在明丽的日子想到日后还将出现狂风暴雨；给心情涂上颜色，我们能够在失落的时候想到前方还有繁花似锦；给心情涂上颜色，我们能够在心灰气馁的时候想到生活中还有自信坚强；给心情涂上颜色，我们能够在失败挫折的时候想到成功的路上还有胜利的曙光。

解到中外美术能够完美的结合。美术就是拥有这样神秘的力量。经过课程中与美术的相处，我被深深的吸引了，开始更加热爱美术。

通过美术鉴赏课的学习，我也深深体会到美术也是从生活中而来的。一切皆源自于生活。生活也是美术的重要出处。品味美术就如同品味生活，让人感受其中的种种喜怒哀乐。对待美术的态度其实也是对待生活的态度。乐观，悲观，皆如美术一样。美术是生活的调剂品，它能使你的生活更加多彩。我们能够通过欣赏一幅画，一处建筑，来亲近艺术，从而喜欢艺术，热爱艺术。在美术欣赏的过程中美术所展现的内在美会极大地感染我们，我们的性情和爱好会在艺术欣赏中得到净化。随着艺术视野的开阔，我们的精神面貌会得到升华，高尚的人格素质和审美情趣也会在愉悦中形成。可以说，美术鉴赏是人的心灵体操，是灵魂的净化剂，它能穿透人感情麻木的恺甲，使人们在内心世界留下深刻的印象。美术鉴赏课对人的综合素质的提高，对人的身心发展起着非常重要的促进和补足作用。对人的性情有极大的陶冶作用，会使人成为一个感情丰富的人，一个有格调和品位的人，一个富有同情心的人，一个拒绝暴力的人。

兵马俑美术鉴赏论文篇四

美术欣赏和美术鉴赏都是形象思维过程，欣赏偏重于单纯的审美愉悦享受，鉴赏更多的是理性的认识。鉴赏是感情与认识相统一的精神活动，从作品的艺术形象中获得美的感受，并自觉地运用自己的全部知识来加深对艺术形象的理解。欣赏是感性的，鉴赏是理性的。

欣赏；鉴赏；感性与理性；精神活动。

美术作品是视觉艺术享受，美术家创造的美术作品是供人们观赏的，但由于观赏者所受的教育和生活阅历不同，所以对美术作品的观赏态度和方法也不同，整体可分为两种类型：美术欣赏与美术鉴赏。

一幅美术作品呈现在观赏者面前时，不同层次的观赏者对作品产生的直观反映不同，许多观赏者凭着自己的直觉，直观地接受美术作品中与自己审美情趣相似的艺术形象，所以多是感性的，表面的，这种偏于感性和带有主观喜爱的随意性的观赏，就是一般意义上的审美活动，即美术欣赏。由于作品的可视性，欣赏者也会自然进行某种联想和想象，但都是从自身的喜好出发，缺乏理性的分析和判断，欣赏只是审美活动的初级阶段。

鉴赏过程中感性、理性相互渗透，鉴赏者对作品产生的感性美是瞬间的，随反复多次的观赏进入冷静思考阶段，把自己的美术知识溶进作品，从而体味到艺术形象所含的思想意义和形式美，并不断深化理解，获得新的审美享受过程。

由此可见，美术欣赏和美术鉴赏都是形象思维过程，欣赏偏重于单纯的审美愉悦享受，鉴赏更多的是理性的认识，任何人都可成为美术欣赏者，但不是都能成为鉴赏者。但鉴赏者也要通过知识运用正确的鉴赏方法。

美术鉴赏是对作品中所体现的美的追求和发现。任何一幅美术作品都是作者从自己所处的时代、生活和思想感情出发，借助艺术形象表达自己的`情感、认知。美术鉴赏者就是要在美术家创造的作品中寻求和发现美，以获得启迪和美的享受。生活中，美无处不在，但缺少对美的发现，那么，美术作品就是发现美，创造美的一种手段，而美术鉴赏则是从作品中再发现美的一种能力，鉴赏作品中艺术形象的美不是靠推理，而是从审美层面，运用审美知识、审美情感对艺术形象进行品味、鉴别、判断，发现其真伪、优劣、美丑，发现艺术风格、艺术流派及艺术表现、个性特点，美术鉴赏其实就是“美的发现”。

只有美的艺术形象才能引起观赏者的美感和情感，例如许多美术家喜欢画竹子，其实，自然界的竹子本无什么思想和性格，但是物性与人性有许多共通之处，自然界的竹枝内空而外有节，正应“气节”二字，所以画家笔下的竹子就被赋予了人的思想感情和个性了。我们知道清代书画家郑板桥的竹子享有盛誉，他本人对腐败的现实不满，他坎坷而不屈服的个性与竹性相同，于是借竹的“气节”来书写自己的性情品格，所画墨竹挺拔遒劲，老篁新枝错落有致，疏密有别，水墨浓淡枯湿富有变化，达到形式和精神完美统一，因此我们在鉴赏郑板桥的竹子，就要发现画家寄托于竹子身上的特殊情感和认识，发现、体味他所写的竹子的独特的美。

学会鉴别不同艺术风格的美，艺术风格是艺术家个人风格和创作个性在艺术创作中的体现，是不同的审美理想、审美情趣在创作中的反映。比如，达芬奇的绘画充满科学和智慧，米开朗基罗的雕塑充满力量、勇敢，拉斐尔的绘画充满祥和、温柔、美丽。他们三位艺术家同处于一个时期，但风格完全不同，使我们在鉴赏过程中获得不同的审美享受。

鉴赏中欣赏和发现美的另一层含义是在鉴赏中发现自己，郑板桥的竹子深受欢迎，说明我们内心深处有与竹子相似的“气节”性格，在鉴赏中发现鉴赏者自己，从而得到一种自己发现的喜悦。艺术形象中有“我”的思想感情、爱好趣味或理想的影子，而“我”能鉴赏对象中的美，又是因为“我中有物”，所以鉴赏艺术形象时，也常常处于自己欣赏、自己肯定的精神世界。

总之，美术鉴赏是对美的追求和享受，美术的本质就在于使观赏者感到愉悦，我们鉴赏美术品，目的是从作品中获得美和享受美的愉悦感，这是精神的享受，这种享受来自两个方面，一是发现艺术形象的美，另一方面发现、获取艺术形象的真谛，我们将运用鉴赏的知识在日常生活中发现美、创造美。

[2]王滢婕。艺术教育的审美实践[j].群文天地。

[3]别敦荣，夏晋。论艺术教育的专业化及其通识性[j].高等教育研究。

[4]罗常军。论艺术教育的四重取向[j].湖南师范大学教育科学学报。

兵马俑美术鉴赏论文篇五

：在新课改背景下，初中美术教学要注重结合学生生活实际，让课堂内容更加具体、丰富，充满生活的气息。欣赏课是初中美术教学中的重要内容，为提升课堂教学效率，教师应该注重应用情境教学法，为学生创设生动、形象、有趣的氛围，以此激发学生的学习兴趣，保证欣赏课教学高效开展，实现预期的教学目标。该文提出了美术欣赏课教学中情境教学法的应用策略，旨在培养学生的美术鉴赏能力。

：美术教学；欣赏课；情境教学法；

情境教学法当前已经在各学科的教学中得到了广泛应用。在初中美术欣赏课教学中，教师要尽快转变思想理念，加大对情境教学法的应用力度，结合教学内容与学生学习水平，灵活选用各种教学方法，保证实际教学效率的提升。这样才能在传授学生美术知识的同时，培养学生的审美能力、鉴赏能力，为学生的全面发展打下坚实的基础。

在初中欣赏课教学中，问题情境的运用尤为重要。教师提出与教学内容有关的问题，可以帮助学生明确学习方法，避免学生在美术欣赏课上感到迷茫，并让学生在解答问题的过程中正确理解美术知识，加深对美术知识的记忆。在问题的引导下，学生将主动开动脑筋思考问题，在自主探究的过程中培养学习能力，为今后的发展奠定良好的基础。如，教师在为学生讲解色彩调配相关知识时，可以问学生某种颜色是通过其他哪些颜色调和而成的，让学生在思考的过程中学习，这样学生在美术欣赏课上才能集中注意力，积极动手操作，调配颜色，这样就达到了教学的目的。又如，在《巧用身边的材料》的教学中，教师可以根据教学内容，问学生：“你们知道可以利用怎样的方法，用稻草表现题材吗？”在学生回答问题后，教师再通过范例欣赏与分析，让学生真正了解制作作品所需的构思、方法及步骤。

时代快速发展，现代科技更新速度日益加快，多媒体在教育教学中得到了广泛应用。教师应该充分发挥多媒体的作用，为学生设置生动的教学情境，促进学生全身心投入教学，保证初中美术欣赏课教学效率得到提升。通过多媒体辅助教学，学生能够直观感受到美术的魅力，对学习产生浓厚的兴趣。对此，教师要在课前做好多媒体课件搜集与设计工作，这样才能在课堂上创设出更加自然的教学情境，避免学生产生抵触情绪，让学生在愉快的氛围中掌握美术知识。如，在《中国书法》的教学中，教师可以在课堂上为学生播放展现我国书法演化过程的视频，学生在多媒体创设的情境中，逐步进入古代大师营造的书法世界，不仅感受到了书法的特点与价值，逐步形成了热爱祖国优秀传统文化的美好情感。教师采用这种教学方法，提高了课堂教学效率，学生也能掌握这节课的重点内容与相关知识，从而圆满完成了教学任务。

为提升初中美术欣赏课的教学效果，教师可以让学生模仿作品，进行角色扮演，这样不仅能够让学生产生身临其境之感，了解创作者是如何在作品中表达内心情感的，还能够有效培养学生的审美情趣，促使学生的美术鉴赏水平不断提升。如，秦兵马俑是我国的艺术瑰宝，教师可以为学生展示将军俑的图片，在学生欣赏这件作品时，带领学生起立，让他们体验当将军的感觉。在教师的指导下，学生的表情十分严肃，手中握着“宝剑”，认真摆姿势、做动作，有的学生表现得庄重威严，有的学生表现得气势非凡。教师讲解霍去病墓雕刻中的《伏虎》后，可以用语言引导学生：“你看它的眼神多锐利，它正趴在地上，耸着肩膀，它发现了什么？对，随时准备扑向猎物。”此时教师要做出动作，营造紧张的气氛。这样很快就调动了学生的情绪，他们认真观察，了解了这件作品的特点，从而达到了教学目标。

任何一幅优秀的美术作品都蕴含着丰富的生活哲学，画家在其中表达出自己对生活的感悟。如凡？高的《向日葵》《吃土豆的人》、达？芬奇的《蒙娜丽莎》等，这些作品都与生活有着紧密的联系。以《吃土豆的人》为例，凡？高在认真观察农民日常生活与劳作情景后，将农民吃土豆的样子栩栩如生地描绘了出来。我们在欣赏达？芬奇的《蒙娜丽莎》时，会莫名感受到一种悲伤的情绪，据说画中的女子刚刚经历了丧子之痛，为了给她带来快乐，达？芬奇在创作这幅画时还请了喜剧演员进行表演。从这里能够看出，在初中美术欣赏课教学中创设生活情境，能够增强学生的情感体验，并将学生的美术创作潜能激发出来。在实际教学中，教师可以与实际生活加强联系，带领学生走出教室，欣赏大自然的美景，这样学生创作的作品才更具情感与生活味，艺术品位也能获得提升。

总之，在美术欣赏课教学中，教师要重视应用情境教学法，精心设置各种教学情境，激发学生的学习欲望，在生动、形象的情境中，学生能够获得快乐的体验，并牢固掌握美术知识、提升美术鉴赏能力。此外，教师还要不断探索新的教学方法，以保证充分发挥出情境教学法的作用，为提升美术欣赏课教学效果创造更加有利的条件。

兵马俑美术鉴赏论文篇六

摘要：作为两种意识形态范畴，宗教与艺术千丝万缕的联系可以追溯到很久以前，他们相互影响，相互渗透，并且互为不可或缺的形成条件。就如同早期异教偶像崇拜时期，欧洲的基督教圣像画就深受其影响。而西欧中世纪的圣像画则受到了拜占庭艺术的影响从而得以繁荣发展，而其中受影响最大的国家是意大利。意大利的地理环境，人文主义革命的产生与资本主义的萌芽，以及科学理性主义精神的影响，促使意大利绘画艺术发生重大转变。意大利时期的圣像画无论是在功能上，还是形式上及其他各个方面，都将圣像画进行了全新的阐释。

本篇文章将从政治历史文化角度以各种绘画因素对文艺复兴时期的圣像画艺术进行相对系统的总结和归纳，希望通过这些总结能够在一定程度上加深对意大利文艺复兴圣像画艺术的进一步理解和认识。

1.绪论。

文艺复兴是一场“复兴”的运动，即对古希腊、古罗马科学和艺术的再生。

从审美角度看，宗教和艺术都具有审美价值，意大利文艺复兴时期艺术繁荣的一个突出特点就是绘画艺术的空前发展。意大利文艺复兴时期宗教绘画具有其他任何时期无法比拟的双重涵义——不但具备了一定的宗教意义，而且富有审美价值，并将这二种绘画因素进行完美结合。

在文艺复兴时期，理性化的宗教信仰和世俗化的社会趣味在这特殊的历史条件下结合在一起，这个阶段的艺术是一个矛盾的统一体，它既隐藏着信仰的危机又充满着现实的回归，既是古代宗教艺术的总结，也是人文主义文化的起点。而圣像画艺术是基督教美术中最为典型的艺术图式之一，对这一艺术形式的起源，形成与演变过程进行深入比较分析，将会更有助于理解文艺复兴时期艺术发展的全貌，可以促使我们发现绘画发展的新的可能性。

2.圣像画基督美术的概述。

2.1基督教文化的历史背景。

基督教诞生于1世纪罗马帝国统治下的东地中海地区。它的前身是犹太教，当时在巴勒斯坦和小亚细亚地等地的犹太人不堪忍受罗马统治者的残酷奴役，又无法挣脱苦难，于是在城市贫民中滋生出悲观情绪，期望出现一位救世主，基督教便应运而生了。基督教吸收了犹太教的教义，并且不断发展形成了自己的教义。基督教徒笃信耶稣基督，认为耶稣基督是本教的创始人，也是人们所期待的救世主。他们把犹太教的《圣经》称为《旧约》，并且编纂了自己的《新约》，而《新约》与《旧约》合在一起便成为基督教的《圣经》。

并提供了一种人类需要的重要信仰。392年，罗马皇帝狄奥多西一世再度颁布赦令，禁止基督教以外的所有原有宗教，基督教也自此上升到精神统治的特权地位。西欧各国的中世纪美术作为基督教信仰和神学的表达形式，也随之不断地发展与演化。

2.2基督教美术的发展。

基督教在开始时秘密流行于罗马帝国统治下的疆域，由于处于非法的地位，基督徒们只能在普通的房子里举行他们的聚会和宗教仪式，与此同时，也诞生了一种比语言更能体现其教义的美术形式。为了躲避官方的搜捕，基督徒们的这种宗教仪式后来转移到地下墓窟中，墓窟的天花板和墙壁上装饰着各种《圣经》图案。因此这些墓窟艺术可以看做是早期基督教美术的宝藏和起源。

基督教合法化后，教徒们的聚会和宗教仪式便回到地面上，基督徒神学成为占统治地位的社会思想。为了更好地传播宗教教义，让教徒们聚在一起做礼拜，正式的基督教堂开始兴建，同时也导致了与教堂相关的雕刻与装饰等其它美术形式的空前发展。在早期基督教美术的发展中，手抄本插图、浮雕、骨刻、织物等实用装饰工艺品也都各具特色，并为欧洲以后上千年工艺美术的发展提供了初始的范例。

3.文艺复兴时期艺术作品中出现基督像及其他圣像画的影响原因。

3.1社会历史原因。

3.2哲学思想原因。

文艺复兴时代的哲学在中世纪神学长期统治之后，开始恢复它的世俗性和科学性。唯物主义日渐占优势，无神论也开始在酝酿。对自然的观察与实验代替了经院派的繁琐思辨；感性认识得到了空前的重视；理性代替了对权威的盲目崇拜，精神解放了，人的地位提高了。人开始感觉到自己的尊严与无限发展的潜能。文艺复兴时期，市民资产阶级的思想家最早提出反对封建“神学”的思潮就是“人文主义”，这种以“人”为中心的世俗文化强调人在社会生活中的主导作用。人文主义肯定人是生活的创造者和主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，把思想感情、智慧从神学的束缚中解放出来，提倡人性反对神性，提倡人权反对神权，提倡人性自由反对人身依附，从而丰富了这个时期的绘画。

文艺复兴时期的圣像画作品仍然大量存在。但是在新的科学技术和理性主义的辅助下，艺术家的作画技巧显得更加的娴熟，这时期的宗教人物形象已经比中世纪时生动鲜明了很多，少了高高在上、冰冷不可侵犯的畏惧感，多了一丝尘世的生命气息和亲近感。

4.1意大利的地理环境优势。

文艺复兴运动的兴起和发展，与意大利国家的社会改革是分不开的。意大利地处地中海，如佛罗伦萨、威尼斯之所以经济比较发达，其原因在于他们优越的地理位置，古罗马文化是古希腊文化的延续，处在这样的地理位置。文艺复兴必然发生在意大利了。

4.2人文主义精神的影响。

“文艺复兴的产生和发展，不是历史的偶然，而是在中世纪内部生成的文化运动。”就绘画艺术而言，在中世纪的后期，对人的肯定和对现实生活的描绘，已见人文主义的端倪。由于千年来中世纪教会权威的压迫与束缚，人们反抗的意识逐渐强烈，开始与传统的思想观念进行对抗，开始向往世俗美好自由的生活。文艺复兴时期的绘画，虽然在很大程度上还是摆脱不了基督教题材，但画家们并不是描绘传统的圣经故事情节，而是以宗教题材，展现现实人性的价值，探索人的灵魂深处的奥秘。由于形象来自于现实生活，画家笔下的神灵形象也随之人性化了，彻底改变课中世纪宗教画呆板、程式化的传统。这一时期的宗教绘画，还出现了以大自然或建筑物为背景，借助神灵表现人的情感和个性的作品，充满了现实色彩和人情味，从而把虚幻的宗教，从天上拉到了人间。

4.3科学理性主义精神的影响。

在文艺复兴时期，人们在科学理性主义的影响下，对探索自然充满了激情。这一时期的艺术家注重对自然和科学的探索，新的艺术与科学密切联系，后者为前者的发展提供了飞速发展的机会。意大利的人文主义学者兼建筑家阿尔伯，他倡导将透视法运用到艺术创作过程中去。他在书中给绘画下了一个科学的定义:“所谓绘画，无非是一个视觉角锥体在一定距离上的横断面，有一定得中心和适当的光照，并以线条和色彩在一定平面上表现出来；这种基于科学、理性、客观角度观察世界的方法，迅速成为观察世界的一个新的途径。”

文艺复兴盛期的画家达·芬奇认为，画家必须以博大的理论知识作为艺术创作的坚强支撑。以科学、理性、严谨的态度去研究探索一切物象的基本特征。

5.意大利文艺复兴时期圣像画艺术的艺术成就——以达芬奇及其作品为例。

机综合，从而在形式和内容上达到完美的统一。

达·芬奇是一位全面发展的伟大艺术家。其涉及的领域之广泛，在文艺复兴时期是绝无仅有的。他在进行创作时，追求一种真实的立体感，且善于运用透视法、明暗对比法、晕涂法来营造出一种柔美、和谐的氛围。15世纪后半叶，意大利的圣像画开始发生巨大转变。尤其是在之前的伟大艺术家马萨乔的透视法则的影响下，圣像画已经变得与世俗化没有太大差别了。而圣母子像，这一经典的宗教图式形象也变得不再如以往那般神秘而不可捉摸。达·芬奇是这一时期绘画艺术的代表性人物，他的圣母子像作品基本分为两种类型：室内的母子半身像以及室外的圣家族群像。前者更重视表现细腻的生活细节，也更着意对画中人物情感的表达；如《喂奶的圣母》、《拈花的圣母》等等；而后者所涉及的作品包括《岩间圣母》与《圣安娜与圣母子》。

5.1达芬奇作品《拈花的圣母》的赏析。

达芬奇拈花的圣母。

著名的《拈花圣母》画于1478年。它表现的是年轻的玛利亚和儿子耶稣在一起的情景。这幅画虽然也是采用宗教题材，但却完全排除了宗教画的气息，充满着浓厚的人情味。这里的圣母已不再是传统宗教画中的那种超脱人世的冷漠的面孔。

达·芬奇将圣母与圣子绘制在一个相对封闭的空间之中，圣母玛利亚将耶稣放在自己的腿上，左手扶着耶稣的后背，表现出母亲对孩子的一种自然的关爱，右手则拿着一朵花放在耶稣的前面。耶稣正试图从母亲手中拿走那朵小花，脸上显示出极为认真的表情，而玛利亚注视着儿子，脸上浮现出幸福、愉悦的笑容。玛利亚的头发向后梳起，露出了宽宽的额头，她身上所穿衣服的褶子被画家绘制得十分自然。而衣料在灯光下反射出的光彩也被达·芬奇细致地加以描绘和表现。达·芬奇将《拈花圣母》中的圣母玛利亚与耶稣的形象都刻画得非常圆润，耶稣是以裸体的形象出现。顽皮的蹬腿的动作提升婴孩耶稣活泼、可爱的特质。圣母及耶稣头上依然顶着象征神灵的光环。达·芬奇的绘画大多都对圣像画做了改动。这幅画更具有达芬奇成熟时期的特征，特别是达芬奇逐渐舍弃坚硬的轮廓线，使人物的外形逐渐溶入背景，纯粹以明暗来定义物体与空间的关系，同时明暗的渐层过渡十分细腻，可见此时达芬奇已能善用“晕涂法”的效果。对于人物以外的其它描写也简化许多，省略了不必要的细节，以强化人物主题的重要性。

5.2达芬奇作品《岩间圣母》的赏析。

达芬奇岩间圣母。

悄然兴起的世俗性作品，画面上的一切无不体现着新意：情节的艺术化处理；不寻常的难以捉摸的风景；人物与环境的有机融合；光的巧妙利用；高尚的美所辉照出的人物形象。这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督，达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间，圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上，渐浓渐淡的轻烟薄雾呈现出佛兰德斯或威尼斯画派所少有的朦胧画意，整个景象如幽远的梦境。充满了诗一样的温情，祥和而且典雅。

在《岩间圣母》中，他不仅将施洗者约翰和耶稣都画成儿童形象，还加入了年轻的圣母和天使。画面中，圣母玛利亚位于中间爱你的位置，正在用她的手扶着小约翰的肩部。达·芬奇又利用短缩法在了她的儿子小耶稣的将圣母玛利亚的另一只手放在她的儿子小耶稣的头上。而画面一侧的天使则一手扶住耶稣的背后，另一只手若有所指的伸向小约翰。整个画面呈金字塔字构图，各个人物之间也形成紧密的联系。在绘制《岩间圣母》时，达·芬奇改变了以往的传统绘画形式。画面显示出他对于凝重色彩的偏好以及独特的用光原则。在背景的刻画当中更是采用了透视法，增加了画面的立体感。

达·芬奇在艺术和科学两个领域的成就一同被《岩间圣母》这幅作品表现出来。画面上每一块岩石，每一棵草，每一朵花，都足以证明达·芬奇在地质学与植物学方面的渊博知识。画中采用重叠的岩壁多方面反射过来的柔和的光线，不仅造成人物脸部与身体细致入微的质感，同时还赋予形象以独创的富有诗意的光晕。还有人体的组织构造，身上皱纹和女人鬈发的机械学法则，这些被科学家达·芬奇用精确的实验证明的科学知识，现在又被艺术家达·芬奇结合成一个富有诗意的画面整体，转变为一支生动的、无声的音乐，一曲美丽的，自然的赞歌。达·芬奇在自己的作品中，把高不可攀、可望而不可及的“神”拉到凡间，成了亲切、生动的人，人与自然景物浑然一体，安详和谐的气氛与和谐静谧的自然景色令人神往，很自然地使人们想到温馨、甜美的家庭生活，圣母和耶稣就是这家庭中的一员。

5.3达芬奇圣像画的绘画艺术特征。

6.意大利文艺复兴时期圣像画美学特征与艺术成就。

在14至16世纪文艺复兴时期，圣像画的功能和形式产生了决定性的变革。尤其是在意大利资本主义萌芽发展的新时期，由于科学理性主义、人文主义、自然主义等文化思潮的影响，在各个时期不同个性的画家引导发展下，宗教题材绘画中的世俗化因素发展到了无以复加的程度。意大利文艺复兴时期的圣像画，从总体上来讲，已经成为神的人性化肖像，以往威严刻板的形象已经逐渐消失。而基督教圣像画艺术发展至文艺复兴盛期的拉斐尔时期时，对于由乔托和杜乔发扬光大的中世纪圣像画传统进行重新诠释，赋予了圣画像以新的神圣和崇高。16世纪的威尼斯画派将宗教圣像画彻底向世俗化转变，同时风景画、人体画开始大量出现，中世纪流传下来的圣像画传统，在文艺复兴盛期拉斐尔的圣母像作品里短暂回归后，至此已彻底成为历史，或者说，圣像画和肖像画已经没有什么明显区分了。

7.结语。

基督教圣像画艺术，作为宗教和艺术结合的典范，从中世纪的纯粹象征主义绘画发展至文艺复兴时期的带有世俗化倾向的宗教肖像画，期间经历数百年、乃至上千年的的艺术形式上的改革，既有对传统宗教艺术的借鉴，又同时融合了自己时代的科学理论成果，最终将理性主义的写实技巧与神秘主义的象征隐喻内容完美结合，在文艺复兴盛期达至艺术的巅峰。

文艺复兴时代的意大利的绘画，虽然在很大程度上还是摆脱不了基督教题材，但画家们并不是描绘传统的圣经故事情节，而是以宗教题材展现现实人性的价值，探索人的灵魂深处的奥秘。在思想内容上，画家们还将人文主义思想和美学价值，纳入了宗教题材之中，通过神来表现人，反应现实人生。由于形象来自于现实生活，画家笔下的神灵形象也随之人性化了，彻底改变课中世纪宗教画呆板、程式化的传统。这一时期的宗教绘画，还出现了以大自然或建筑物为背景，借助神灵表现人的情感和个性的作品，充满了现实色彩和人情味，从而把虚幻的宗教，从天上拉到了人间。

参考文献。

[1]邵大箴.西方美术的历史与审美[m].北京:中国人民大学出版社，1999.12:65.[2]马克思恩格斯.全集第七卷.北京:人民出版社，1995:400.[3][英]丹纳著，张伟译.艺术哲学.北京出版社，2004：226.[4][英]贡布里西.艺术发展史[m].天津:天津人民美术版社，1990：55.[5]张浩达.基督教艺术与社会生活[m].北京：北京大学出版社，2009：41.[6][法]约翰·t·帕里提.加里·m·拉德科.朱璇译.意大利文艺复兴时期的艺术[m].桂林：广西师范大学出版社2005：11.26.102.

兵马俑美术鉴赏论文篇七

本文讲述了中职学校公共艺术美术课程内容。通过课程教学，提升中职学生的审美、鉴赏等综合能力，它承载着完善教育、培养学生人格的责任，为中职学生的发展而努力。

中职公共艺术美术课程鉴赏与审美能力教学实践。

近几年来，国家对中职教育的发展越来越重视，采取了一系列强有力的措施，出台了《中等职业学校公共艺术课程教学大纲》（简称《教学大纲》），大力推广职业教育发展，培养一批又一批的高素质技能型人才。同时，艺术教育课程的内容越来越丰富，地位也越来越突出。大纲中将美术和音乐两个学科规定为中职教育必修课程。以艺术教育为载体让学生直接获得美的信息，着重培养道德品质、加深对其的集体精神的塑造，学生的职业潜力和团队合作能力从中得以挖掘。办好中职公共艺术美术课程有着重要作用，不仅能使学生的审美能力得到提升，还能培养出一大批高素质技术型人才。

艺术专业的课程针对的是专业艺术人才，所设置的课程专业性强，“系统化”教学，课程量多又复杂。但是公共艺术美术课程的侧重点与传统美术课程不同，它的开设面向整个学校的非艺术专业的学生。目的是培养学生的鉴赏和审美能力，它的课程内容简单、专业化程度较弱，主要让参加此课程的同学了解美术的基本常识，学习艺术作品的鉴赏方法，提升个人的美学素养与审美能力。

中职学校的公共艺术美术课程是由基础模块和拓展模块组成。基础模块主要内容覆盖美术与人生、美术表现、中外国美术赏析等，深入了解美术历史，提升美术品味。拓展模块则重于实践能力，内容多为设计基础、设计表现，设计方法等。内外兼修，从内在修养到实际操作，逐渐提升美术能力。以追求生命之美和生活之乐作为出发点，基于美术艺术的大众审美分析，来确定公共艺术美术课程。将课程目标由六要素组成，即智慧（intelligence）、交往（in-teraction）、想象（imagination）、兴趣（interest）、直觉（intuition）、理解（interpretation）。确立“博大”、“高雅”为课程内容设定的原则。区别于传统美术课程，公共艺术美术课程会变得更加具有“丰富性”、“完整性”、“层次性”、“审美性”[3]。

（一）鉴赏能力。

九年义务教育给每一个青少年儿童开设美术课，让学生对美术有了浅显的认知，在此基础上，公共艺术美术课程进行了内容延伸，知识层次更加丰富。主要从“正确的价值判断能力”和“艺术品的鉴赏能力”两方面进行培养。首先可以试图从自然、社会、人文、历史和艺术等多角度进行欣赏比较，正确的引导学生，尊重中西方文化差异、了解文化内涵。在世界上下五千年的历史长河中，出现的珍宝无数，例如米开朗基罗的《创造亚当》、达芬奇的《蒙娜丽莎》、张择端的《清明上河图》等堪称人类瑰宝，塑造人物生动、造型逼真细腻、构图精妙。其次也可以带学生去博物馆实地参观，多观看关于赏析珍品的视频。再多的教授课程，都是纸上谈兵，不如让学生直接接触获取经验，通过切身感受，提高学生对作品的评价、鉴赏能力。例如：《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作，它代表达。芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。教学过程中引导学生对作品进行鉴赏：画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。通过作品的鉴赏，可以更深层次地感悟作者的思想内涵，充分体现了文艺复兴时期人文主义精神。

（二）审美能力。

公共艺术美术课程和九年义务教育衔接自然。不可太过突兀，也应该给学生慢慢适应的过程，这样做也符合中职学校《教学大纲》要求。与初中阶段的美术课虽然有不同的侧重点，但是知识应是相通的[1]。中职学校公共艺术美术课程中需要适当精简知识内容，不要太过细致，简明扼要，并增加《中国美术史》、《美学概论》、《中外美术史》、《美术鉴赏》等相关书籍。让学生从书中的内容中了解美术的发展史、不同美术类型的基本分类、艺术表现形式的美学原理、美术的基本表现技法，掌握审美方法、评价方式的同时，又能在书籍中了解每一幅作品中蕴含着作者怎样的情感和内涵，社会当时的处境、作品背后的故事。综合社会、自然、艺术三要素，更加全面理解艺术美的特征，提升自身的审美能力[5]。

（三）创造美的能力。

在知识感知、巩固、积累的基础上发挥美的创造力。在图书馆中增加有关提升创造美能力的书籍，优化教材，增加知识获取途径。例如：《绘画创作》、《简笔画基础》、《二维、三维动画制作》、《书法基础》等等[3]。以课堂以外的形式，自主学习，在这些书中，找到二维平面作画的技巧，了解三维动画产生的过程，完成简单的艺术表现，找寻学习的自信。

随着时代的进步，人才辈出，艺术人才需求量在增加，公共艺术美术课程的社会地位也越来越突出。发展多条道路以提升学生能力是公共艺术美术课程的主旨。其一，学校组织学生参观名人书画展。实践出真理，让学生们在一幅幅实际的真画作品面前，亲身领略艺术的魅力。用眼睛去体会艺术家利用色彩的碰撞。在专业的气氛中，进行专业知识的交流。在交流中，了解到更多的信息[1]。其二，俗话说，近朱者赤近墨者黑。整个中职学校的学习氛围也会影响学生的能力提升。校园是学生时代花费时间最多的地方，它是学生学习知识的圣地、是成长的摇篮、是品质道德养成的场所。营造文化校园是大势所趋。在优美的学校环境里渗透艺术的元素，如名人雕塑、名家作品等，会带给学生良好的非智力因素发展，有利于学生高尚情操的培养，也有利于心理素质的提高。其三，组织学生互动，增加艺术活动。在校内创设活动内容，围绕艺术美术的主题，可举办学生自己的画进行展览评比，收集“民间名画”，让学生们自己对其评价和评比打分，选出“校内之星”[2]。这样既可以在活动中提升审美能力，还可以提高对作品的评价能力，将课堂所学内容运用到实际。也可以找寻文化企业，协商合作。学生还可以对名画加以临摹或是再创作。模仿大家的色彩，造型和构图，学习到更多。中职公共艺术美术课程教育理念，要求与中职教育融合，不要求每一名学生必须能够画出名画、得到大众的赏识，培养中职学生的审美理念，陶冶情操，成为高素质教育下的技术型人才，才是中职公共艺术美术课程的重点。综上所述，中职学校公共艺术美术课程面向非艺术专业学生，着重提高学生的鉴赏与审美等综合能力，它承载着完善教育、培养学生健全人格的责任。对培养高素质技术型人才的培养起着至关重要的作用。

兵马俑美术鉴赏论文篇八

视觉体验对于广大社会大众来讲，是一类生活常态，为了系统化贯彻素质化教育方针，中专美术鉴赏课指导教师，应当灵活改造并科学沿用各类视觉文化要素，尊重个体主观思维发散延展规则基础上，及时稳定课堂内部和谐交流氛围，确保为学生群体提供更加人性化的指导服务。归根结底，美术鉴赏课原本就不是单纯样式的知识传授行为过程，可以说其对于新时代文化传递和中专生情感科学培养工作，情有独钟。作为内部专业化实践指导人员，必须运用各类先进技术和实践经验，引领学生群体积极感受宏观、微观角度下的世界，为其标准化审美素养和人文情怀舒展，奠定和谐适应性基础。

所谓美术欣赏教学，就是通过感性直观和富有启发性的教育手段，把抽象的艺术理论与艺术知识融入在对具体作品的分析讲解之中，使学生掌握对艺术美的欣赏能力，让学生在欣赏作品中能够将自己的知识和经验充分调动起来，达到感性认识与理性认识的高度。长期以来，涉及教师课堂之上主导性行为尚未根除，同时此类人员经常拘泥于教材内容之上，为了盲目跟进教学进度，对于学生健全形式的审美情趣可以说不闻不问，无法积极响应新时代背景下的中专美术鉴赏课规范准则。首先，教师自身美术鉴赏知识结构过于陈旧。长期以来，我国中专美术鉴赏课程教科书内容几乎千篇一律，只是单纯地针对知名画作、雕像、艺术家背景等，加以叙述；加上课时数量的日渐减少，使得学生根本没有时间和精力研究其余高深审美内容。长此以往，教师工作内容便呈现出僵硬化形态，日常工作中也难免引起不良惰性效应，无疑徒增学生的身心压力，遏制其科学形态的情感价值观、人生观的衍生效率。其次，大部分中专领导都本能地认定，美术鉴赏课不过是一类兴趣辅助类媒介，为了不影响学生最终应试成绩，而强行地进行美术指导教师工作量化改造，课时数量不会超过其余正常课程的一半，某种层面上极大削减了教师的积极从业态度。任何课程，不单单需要尊重学生主体适应地位，同时需要教师提供精确化指导，如若负责解惑的教师都处于懈怠散漫状态，那么受教群体想要在今后获得高效发展成就，就更加不现实了。

这里深入强调的体验教学方式，实质上就是鼓励学生群体主动迈出课堂空间，到美术馆、展厅等精细化观赏各类名作，同时结合自身美术技能和经验，独立完成相关绘画挑战项目，从中获得前所未有的美学感知成就。截至至今，此类实际体验教学指导方式，已然成为一类时尚之举，理应得到各类中专学校领导、教师的全面认可和大力规划布置。

主要就是迎合学生好奇心理进行教学指导单元科学化设计，确保学生最终建立起独特样式的审美情趣和绘画操作技巧。例如：教师可以考虑组织名人名作鉴赏交流活动。首先，依照大众化教学规则进行作品文化背景介绍，验证不同绘画手法的美感彰显效果。其次，结合艺术家传奇人生经历进行作品诸多细节品味，同时鼓励学生将心中的疑问一一列出，促进师生之间和谐交流氛围，为此类鉴赏课内容更深层次地拓展，奠定和谐适应基础。

一旦说中专生主动构筑起一类科学化欣赏理念过后，教师就应该借助日渐发达的多媒体技术设备，着手进行不同知名美术作品影像资料搜集播放，使得教科材料中深入阐述的鉴赏规则，都能够和学校实际教学状况紧密衔接。如在绘画训练环节中，学生时常触碰的构图原理、笔触规则、色彩背景、情感文化等知识原理，都会在任何一幅演示作品中得以清晰映射和呈现。另外，教师应该系统化贯彻自身职责效应，积极组织中专生体验绘画期间任何一类单元结构，掌握任何细节对画面整体美感效果的影响。这样，不但能够科学鉴赏不同类型的美术作品，并且从中积累并完善自身绘画知识结构。另一方面，中专生普遍对于形体、色彩等，具有高度敏感性的，教师必须在教学过程中发挥学生的这一特性，让学生用自己的眼睛发现美术作品中的亮点。同时鼓励学生大胆地用自己的语言表达出自己最真挚的感受，这对于提高学生的积极性，培养他们发现美，感受美，表达美有非常重要的作用。

综上所述，涉及中专美术鉴赏课程的体验教学方式，归根结底，是借助教师专业化指导手段，向学生提供各类美术作品和趣味性感知情境，使得中专生主动在课后搜集各方面资料，完成优质化美术作品欣赏经验梳理任务。相信长此以往，必将能够朝着专业化方向不断过渡扭转，最终为社会主义文化事业作出应有的辅助性贡献。

兵马俑美术鉴赏论文篇九

结合实际教学经验，分析探究性学习教学模式与传递接受式教学模式的概念，同时结合相关教学案例进行研究，以此来对两种高中美术鉴赏教学模式的优势、局限性以及教学过程中的多媒体应用等问题进行探究。

多媒体；高中美术鉴赏；教学模式；教学资源。

中图分类号：g633.955，文献标识码：b。

新课改下的高中美术鉴赏教学模式种类非常多元化，特别是在多媒体条件下的高中美术鉴赏教学模式更是为学生的鉴赏能力提升提供了自主学习、写作探求等。然而在实际的多媒体高中美术鉴赏课堂上，教师通常会采用两种或者两种以上的教学策略来进行综合应用，以此来实现既定的教学目标。教师通常会在诸如情景教学策略、现行组织策略、演示策略、练习策略、小组讨论策略等手段中进行任意组合、排列，由此而衍生出来的高中美术鉴赏教学模式便出现无限种可能。

下面以最容易被学生接受的“传递接受式教学模式”与“探究性学习教学模式”作为案例，结合多媒体环境下的高中美术鉴赏教学课堂进行研究。

高中美术鉴赏课程的教学重点在于促进高中生在鉴赏能力与鉴赏方法运用水平上不断提升。每一名高中美术鉴赏教师都必须要意识到美术鉴赏活动并不是单纯的一门课程，更多情况下它将会对学生日后的鉴赏行为、艺术品位等方面产生巨大影响。学生必须要学会独立的鉴赏方式与鉴赏手段，真正地成为一名具有生活品位、艺术品位的高素质人才。特别是“互联网+”时代的来临，人们更是将信息技术更广泛、深入地融入教育领域，多媒体教学手段的应用使得美术鉴赏教学方式、学生学习兴趣与学习手段等发生重大变化。

由于学校的教学环境、教学资源等条件的限制，传统环境下的高中美术鉴赏课程更多时候是平面而又枯燥的。多媒体教学的融入，则通过教学过程的互动、教学信息容量的扩充、教学信息网络化的传输，赋予这门课程全新的生命。多媒体教学不仅弥补了学生对于基础知识的认知，而且能够巧妙地帮助学生将原有认知与新知识进行有机融合，从削弱获取新知识的消耗这一认知资源的角度来减轻学生负担，提升课堂教学质量。

首先是教学内容方面的优势。多媒体教学具有感染力强、形象直观等特点，同时，它的展示不受空间的限制，且信息资源丰富多元，能够更好地实现人机互补，在调动学生感官刺激的同时，实现多元器官的有机融合，进一步将艺术作品的美感通过较多的层次展现在他们面前，从而最大限度调动高中美术课堂的氛围，不断提升教学效率，取得理想的教学效果。

其次，在教学模式方面，多媒体教学手段不仅能够改变教师单纯的灌输教学手段，而且在多媒体教学环境下，教师通过引导与启发，能够激发学生的学习热情，以此将课堂的主体地位归还给他们。由于人类对事物的认知通常是从直观体验开始的，而多媒体教学手段则是顺应了这种认知规律，在高中美术鉴赏教学过程中同样起到十分重要的作用。

最后，多媒体教学完成了师生角色之间的转换。传统的美术教学更加强调教师的主体引导作用，甚至一些教师还在扮演领导与家长的角色，很大程度上是一言堂的权威象征。这种教学模式忽略了学生的重要性，仅仅将他们视为被动而又消极的接受者。可以说多媒体教学走进高中美术鉴赏课堂后，学生不再仅仅只能通过教师讲授来获取知识，教师更多时候更像是一场学习活动的引导者、设计者、参与者，学生可以利用各种多元化的教学资源来主动探索知识，不断提高美术鉴赏能力。

多媒体与高中美术鉴赏课堂的有机融合，不仅为新课改下的高中教学带来多样的教学模式，而且将传递接受式教学模式作为一个媒介，更好地搭建在学生与高中美术鉴赏课堂之间，为学生汲取更多的知识提供了保障。

高中美术鉴赏课程传递接受式教学模式的含义在传统的美术鉴赏课上，教师主要通过板书展示、口传身授等方式来帮助学生完成知识与技能的学习，以此来实现既定的教学任务。然而在多媒体教学辅助下的高中美术鉴赏课堂上，通过传递接受式的教学模式，教师可以灵活运用微软公司的ppt软件来带给学生耳目一新的感受，以此来更好地实现与学生之间的有效沟通，进一步提高教学的传递性与有效性。

高中美术鉴赏课程传递接受式教学模式的应用基于多媒体教学的高中美术鉴赏课堂通过灵活运用传递接受式教学模式，能够对学生实现多层次、多角度的感官冲击，利用有限的资源来调动学生的鉴赏积极性，以此来不断提升课堂教学质量。其特征总结起来主要有如下几点。

1）运用多媒体环境下的高中美术鉴赏传递接受式教学模式，教师可以通过多媒体的运用来激发学生的学习动机。如在欣赏《蒙娜丽莎》这幅名作的时候，教师便可以通过事先准备好的ppt演示来让作品动起来，同时结合历史课上所描述的文艺复兴时期的历史事件，帮助学生搭建起新旧知识的桥梁，让学生领悟到新旧知识之间的各种关系，从而加深对作品的理解。

2）教師可以充分运用多媒体教学来对整个知识进行一种自主构建，通过由浅入深的方式来帮助学生完成对名作的欣赏与认知。

3）站在学生角度来看待这种教学模式，通过多媒体对新知识进行转化，学生不仅能够对原有的认知结构进行拓展，而且能够有效地利用自己的感悟与分析提升对作品的认知，真正地做到举一反三。

教师在多媒体教学环境下的美术鉴赏课堂上，还可以充分利用探究性学习模式展开教学工作，以此来将学生的主观能动性与创造性发挥到极致，通过对知识技能的掌握来拓展创新思维。可以说，与传递教学模式相比，探究性教学模式最大的特点就是其对学生合作、自主、探索等意识的放大。

多媒体教学环境下的高中美术鉴赏探究性学习教学模式的特征探究式教学模式必须要围绕课程中的某个知识点展开，这个知识点不仅需要结合课本情况制定，而且要充分地考虑到学生的需求及认知能力。在实际的教学过程中，教师可以利用电脑互联网来展开分析，通过一种“侦探式”的探究来提出具有启发性的问题，以此鼓励学生通过深刻思考来开展鉴赏。

然而值得注意的是，在这样的课堂传授过程中，教师要注意不要将多媒体教学参考资料做得过于花哨，否则会对学生的注意力产生较大的负面影响，从而导致整个艺术鉴赏探究性教学模式无法得到良好的授课效果。

多媒体教学环境下的高中美术鉴赏探究性学习教学模式的应用在实际的美术鉴赏课堂中，笔者更建议通过借助计算机网络资源的支撑，以小组作为讨论单位进行鉴赏方式的学习。如在欣赏凡·高系列作品的时候，教师便可以通过选择一些内容相关的音乐进行播放，同时配合一些艺术馆、博物馆的视频录像，让学生首先对油画艺术有所了解，随后可以拿出诸如《罗纳河上的星空》《凡·高在阿尔的卧室》《耳朵绑着绷带的自画像》等几幅凡·高大师的名画展开内涵讨论，甚至可以通过有趣的角色扮演，对画中的人物、场景、环境等进行还原，以此强化美术鉴赏课程的趣味性。相信通过这些手段，在教师的影响下，学生一定会得到激发探究动机的技法，同时对这种探究式学习模式产生浓厚的兴趣。

再如面对著名抽象画派大师蒙德里安作品欣赏的时候，高中美术鉴赏教师可以运用多媒体，播放诸如compositiona（《构成a》）《红黄蓝的构成》《百老汇的爵士乐》等大师著名的抽象作品，并让学生猜一猜：大师想要表达的是什么物品、什么环境？为什么这些场景会有这样的艺术变形展示？如果你是蒙德里安大师，会如何展现这些场景？同时可以邀请几名学生走上讲台，站在画板附近进行同名作品的创作。在对蒙德里安大师的作品進行观摩、分析后，教师还可以借助事先准备好的几幅油画作品的图片来让学生猜一猜：哪些是蒙德里安的作品？它们具有什么样的共同特征？等等。

实践证明，在多媒体环境下的高中美术鉴赏教学中，如果能够进行相应的教学模式改革，那么将会取得事半功倍的效果，真正地激发学生对于艺术鉴赏的识别度以及参与度，在高效交流的课堂中实现学生高效学习的达成。但在这种多媒体环境下的教学过程中，教师需要对多媒体的特征进行有效认知与识别，不断拓展其声像同步、画面动态选择以及直观性等教学优势，从而选择最合适的教学模式与教学设计，并与传统的教学手段进行融会贯通，提高高中美术鉴赏教学效率，提高学生鉴赏品位。

[1]周艳慧。多媒体环境下高中美术鉴赏两种教学模式应用研究[d].南京：南京师范大学，2011.

[2]曾燕。多媒体信息技术在高中美术欣赏课教学中的应用研究[j].美术教育研究，2017（10）：144.

[3]万云鹏。巧用现代教育技术，丰富高中美术课堂：信息技术与学科教育的融合之路[j].青少年日记：教育教学研究，2013（3）：46.

[4]许海燕。关注绩效增进融合技术助力课堂变革：杭州市西湖区“教师现代教育技术应用能力建设工程”实践研究[j].中国现代教育装备，2013（16）：9-10.