心得体会对个人的成长和发展具有重要意义，可以帮助个人更好地理解和领悟所经历的事物，发现自身的不足和问题，提高实践能力和解决问题的能力，促进与他人的交流和分享。我们应该重视心得体会，将其作为一种宝贵的财富，不断积累和分享。以下是我帮大家整理的最新心得体会范文大全，希望能够帮助到大家，我们一起来看一看吧。

音乐欣赏心得体会篇一

一、活动目标：整个活动我抓住理解歌词、感受三拍子的旋律及体验歌曲情绪变化这三方面进行欣赏。所以在目标的安排上我也遵循了以上三点进行制定：

（1）欣赏歌曲《娃娃》，体验抒情优美的三拍子旋律。

（2）尝试运用语言、动作、表情等方面，大胆表达对歌曲的理解。

（3）激励幼儿不怕困难，保持乐观的心态，做一个快乐的娃娃。

二、重难点

本次活动的重点及难点都在于教师如何引导幼儿用语言、动作、表情等方面去体验歌曲的情绪变化。

针对此重难点，我采取的策略是在活动室中营造歌曲中的氛围让幼儿加以体验。雾来了，天色暗了，我事先给整个活动室挂上窗帘，关上灯，营造一种天色暗了感觉，让幼儿在这样的氛围中体验“娃娃”在森林里迷路了的害怕、恐慌心情；雾散了，天色亮了时，请配班老师开灯，让幼儿体验“娃娃”看到天亮了，感受有希望了的快乐心情。

三、活动准备

1、知识准备：幼儿多次感受过三拍子旋律的歌曲，会听二拍子、三拍子、四拍子的歌曲并能自己打节拍。

2、物质准备：整个活动室挂上窗帘；韩版《大长今》主题曲、中文版歌曲《娃娃》及《娃娃》的flash动画；背景音乐《娃娃》的钢琴曲。

音乐欣赏心得体会篇二

宋朝是中国历史上一个重要的朝代，也是中国古代音乐发展的鼎盛时期。宋朝音乐以其独特的风格和丰富多样的曲调备受推崇，深受当时社会各阶层的喜爱。在这个百花齐放、各色人等共存的时代里，我们有幸能够欣赏到一些保存下来的宋朝音乐作品，这些作品给我留下了深刻的印象。下面我将从音乐形式、音乐特色、音乐韵律、音乐意境和音乐与人文精神等方面谈谈我对宋朝音乐的欣赏心得体会。

首先，宋朝音乐形式的多样性给我留下了深刻印象。宋代的音乐作品广泛，包括宫廷音乐、宗教音乐、民间音乐等多种形式。其中，宫廷音乐是最具代表性的一种。宫廷音乐具有庄重、典雅的特点，整齐而庄重的韵律让人陶醉其中。另外，我还欣赏到了一些宋代时期保存下来的民间音乐作品，这些作品通俗易懂、曲调动听，因此深受普通民众的喜爱。

其次，宋朝音乐的特色给我留下了深刻印象。宋朝音乐注重音乐的表现力和感染力，以及对音乐形式的不断创新。在这一时期，音乐家们开始加入更多的表情和情感元素，使得音乐更加生动活泼。同时，音乐家们也努力探索新的音乐形式，例如以琵琶为主要乐器的“琵琶声乐”和以箜篌为主要乐器的“箜篌声乐”等新的音乐风格在当时广受欢迎。

宋朝音乐的韵律给我留下了深刻印象。宋朝音乐的韵律优美而恢弘，具有很强的旋律感和节奏感。例如，“大哕京东调”是宋代最有影响力的一种调式，它的旋律婉转动听、音调变化丰富，给人以美妙的听觉享受。此外，宋代音乐还注重和声的运用，多种乐器的演奏相互配合，形成了独特的音乐效果，使人耳目一新。

与此同时，宋朝音乐的意境给我留下了深刻印象。宋代音乐作品以其深邃的意境而著称。这些作品多以自然山水、人生哲理等主题为题材，通过音乐的表现力和感染力，唤起人们对美好事物的向往和对生命的思考。例如，“渔舟唱晚”这首音乐作品，以琵琶为主乐器，模拟渔船缓缓划过湖泊的场景，给人以静谧、宁静的感觉，让人沉浸在音乐所创造的意境中。

最后，宋朝音乐与人文精神的结合给我留下了深刻印象。宋朝音乐不仅仅是一种艺术形式，更是人文精神的表现。在宋朝音乐中，我们可以感受到对和谐、和平、自然的向往，以及对生活品质的追求。这些人文精神体现在宋朝音乐作品的创作中，使人们在欣赏音乐的同时，受到了情感和心灵的滋养。

通过对宋朝音乐的欣赏，我深刻感受到了这一时期音乐的独特魅力。宋朝音乐以其多样性的形式、丰富多样的特色、优美的韵律、深邃的意境和人文精神的结合，给人们带来了极大的艺术享受。通过音乐，我们可以感受到那个时代的人们对美和真理的追求，也能够体味到历史的厚重和民族的文化底蕴。我相信，在未来的岁月里，宋朝音乐依然会在我们的生活中继续发挥着重要的作用。

音乐欣赏心得体会篇三

班级：13英教1班。

学号：1328010025。

我是一个爱听歌的女生，只要有机会你就会发现我是插着耳机的。怎么说呢，音乐对人的身心有着很重要的影响。音乐不以说教的方式来传播，更多的是通过熏陶及感染的途径，潜移默化地来影响人的心灵，使更多地得到美的滋润。而对于我来说，周杰伦在我对音乐的看法中扮演了一个绝对重要的角色，当然不止于我，还有许许多多和我一样喜欢周杰伦音乐的粉丝。

早在初中的时候周杰伦已是家喻户晓的流行歌手了，特别是对于追崇流行趋势的青少年，更视其为偶像，为之狂热，好像只有听他的歌，唱他的歌，模仿他的一举一动才是理所应当。其实，那时候我对于班里面男生的那种狂热是表示不喜欢的'，所以，当时我或多或少也有点不喜欢周杰伦的歌曲。然而，在我慢慢的开始听的歌开始，我就深深爱上了所谓杰伦的风格。具体从哪首歌开始喜欢上他我也记不太清了，总之，现在我每天都要听的歌，也算是一个生活习惯了。

我喜欢他的曲调风格，它总给人以一种意想不到的感受。他的歌曲涵盖了社会的各个层面，尤为擅长的是唱描写爱情的歌。他的《你听得到》唱出了恋人之间的依赖；近乎用哭腔来唱的《开不了口》，唱出了自己的后悔和绝望；《轨迹》唱出了自己在恋人离开后尝试去忘记她的复杂心情??周杰伦，无论是作词抑或是作曲都唯美得不可挑剔，令人感同身受。

有一种风格叫周杰伦，天马行空的歌词——“对了，我会遇到周润发，所以你可以跟同学炫耀赌神未来会是你爸爸。”《听妈妈的话》里面不知所云的吐字——“岩烧店烟味弥漫，隔壁是国术馆，店里的妈妈桑，柔道有三段。”《双截棍》潇洒前卫的节奏——“不用麻烦，不用麻烦了，不用麻烦了，你们一起上，我在赶时间，每天决斗观众都累了，英雄也累了。”《牛仔很忙》强烈的个人风格重塑了大众的音乐欣赏标准，改写了华语乐坛的流行方向，开创华语音乐“中国风”的先河，成为亚洲最具社会影响力和传奇性的偶像巨星。在台前，周杰伦的唱腔具有很强的多元性，也有很高的辨识度，很多人一下子就能听出周杰伦的声音。他在演唱不同曲风的歌曲时会采用不同的演唱方式，例如在唱抒情歌曲时他会用略带鼻音引吭高歌的声音；而在唱rap歌曲时则刻意咬字不清，重点是在以念词的律动去搭配音乐的节奏。也正是这种唱法，使得周杰伦的歌曲与方文山的歌词相得益彰，完美地呈现给观众。

周杰伦开创的音乐时代独树一帜，也正是因此“无与伦比”这个词有了两层含义。周杰伦写的音乐都具有强烈的个人风格，不管是词曲还是mv的拍摄。只要你是周杰伦的粉丝，哪怕是他写给其他歌手的歌，你都可以听出来这是周杰伦写的。周杰伦喜欢在音乐中添加各式元素，并且巧妙的融合。比如歌曲《本草纲目》，在此之前谁会将各类中药写成一首歌呢？他也常将日常声音或特殊风格的音乐衔接在歌曲中，如《夜曲》中的下雨声。而周杰伦与方文山的组合，也使他们的词曲更具有故事性与画面性。

都倾尽了他所有的心血．他的风格如何改变？他又需要改变什么呢？就像他在外婆里面唱的，我没输，不需要改变。我们需要的，只是他的真诚创作。

周杰伦的音乐不同之处在于，他不仅能将人们带入回忆，还能够将人们带出回忆，从短暂的回忆中发现对未来更的信心与期待。无论是《蜗牛》中“我要一步一步往上爬”的坚忍意志，还是《龙拳》中“我就是那条龙”的豪迈气概，周杰伦的歌曲充盈着激励人心的能量，而他对“中国风”的不懈追求，又将文学美与意境美注入音乐内，使其作为娱乐偶像的同时不失文化品味。

周杰伦的音乐已经主宰、甚至可能改变亚洲流行音乐界。即使去到当今的校园生活，周杰伦的影响力也显然存在，而且很大因为的他的影响不仅仅音乐这么简单，还有他的每首歌词的精华足以让学生们慢慢品味。就拿自己的亲身例子来说，高中写作文的时候，我发现很多人都喜欢在自己的作文里引用周杰伦歌曲中的经典歌词。周杰伦这样的偶像明星取代唐诗宋词，成为学生作文爱引用的“名人名言”，可谓是影响颇深。

如果说周杰伦出道的十年里，什么支撑了这个乐坛的繁荣发展，那么周杰伦的贡献一定不能小觑。从默默无闻的幕后工作填词人，到了今天歌影视三栖的超级明星，有多少人可以小刀这个年轻人会有今天的成绩。他不仅影响了这个乐坛，还影响了我们这年轻一代，告诉我们一个道理：只要把握住机会，敢于面对挑战，遇到挫折不气馁，总有一天，我们会拥有属于我们的一片天！就像周杰伦的歌词一样：“我要一步一步往上爬，在最高点乘着叶片往前飞，小小的天留过的泪和汗，总有一天我有属于我的天。”

以上就是我对传奇周杰伦的音乐所做出的相关欣赏。

音乐欣赏心得体会篇四

宋朝（960年-1279年）是中国历史上一个重要的朝代，也是中国音乐发展的一个关键时期。宋朝的音乐以丰富多样、充满文化内涵著称。在这个时期，中国音乐经历了很大的变革和创新，尤其是音乐演奏技术的提高和乐曲创作的繁荣。

在观赏和欣赏宋朝音乐的过程中，我深深感受到了这个时期音乐的独特之处。首先是宋朝音乐的独特风格，在宋朝音乐中体现了许多文人的豪迈悲壮之情，以及韵味深厚、富有诗意的吟唱方式。其次是宋朝音乐的曲调优美动人，乐器演奏细腻而独特。更重要的是，宋朝音乐表达了当时社会的风貌和人民的情感，使我能够感受到这个时期的人们生活的点滴。

第三段：以苏轼《青玉案·元夕》为例分析。

苏轼是宋朝最伟大的文学家之一，他也是一位杰出的音乐欣赏家。他的《青玉案·元夕》就是一首极具宋朝音乐特色的词作。词中通过细腻的描写和优美的韵律，表达了对故乡、亲人和爱情的思恋之情，让人感受到质朴深情和丰富内涵的宋朝音乐精神。

宋朝音乐不仅仅是当时的艺术形式，它也对后世的音乐发展产生了深远的影响。商业繁荣和文化交流的背景让宋朝音乐吸收了其他地区音乐的精华，进一步丰富了中国音乐的内涵和形式。同时，创作和演奏技巧的提高也为后来的音乐家提供了宝贵的经验和启示。

第五段：总结并展望。

通过对宋朝音乐的欣赏，我深刻感悟到了音乐对文化的影响以及音乐所能表达的情感和思想。宋朝音乐的独特之处使我对古代音乐有了更深入的理解和欣赏，也让我对中国音乐的发展有了更全面的认识。同时，我也深信，宋朝音乐的精髓会继续传承下去，为我们今天的音乐创作提供丰富的灵感和借鉴。

音乐欣赏心得体会篇五

1.初步欣赏歌曲，感受歌曲活泼欢快的节奏既充满幻想期望的情感，并尝试用语言进行表述。

2.经过图片理解歌词资料，并能根据歌词资料展开大胆的想象。

3.激发幼儿对生命的关注和热爱。

初步欣赏歌曲，感受歌曲活泼欢快的节奏既充满幻想期望的情感，并尝试用语言进行表述。

理解歌词资料，并能根据歌词资料展开大胆的想象。

教学挂图、课件、白纸和彩笔。

一、开始部分

教师谈话，调动幼儿学习的进取性。

你们喜欢太阳吗?为什么?(因为有太阳的地方会变得温暖又明亮)，世界上有几个太阳呢，有个小朋友认为一个太阳不够，他想种太阳，为什么呢，我们一齐欣赏一首歌曲《种太阳》。

二、基本部分

1.播放课件，引导幼儿欣赏歌曲。

提问：

(1)小朋友的愿望是什么?

(2)他为什么要播种太阳呢?

(3)他想把太阳送给谁?为什么?

2.教师再次引导幼儿欣赏歌曲，帮忙幼儿感受歌曲活泼欢快的节奏既充满幻想、期望的情感。

提问：

(1)这首歌曲听上去怎样?

(2)请你猜一猜歌里的小朋友在幻想中太阳的时候，他的心境是怎样的?

(3)这首歌曲是几拍子的?

3.出示挂图，教幼儿朗诵歌词，直到幼儿朗诵会为止。

4.教师引导幼儿再次欣赏歌曲，并鼓励幼儿大胆跟唱。

5.教师鼓励幼儿根据歌曲展开想象，并大胆表达出来。

(1)如果让你们来种太阳，你们想种出什么样的太阳呢?请幼儿用笔把他画出来?

(2)你们想把种的太阳送给谁呢?为什么?

6.教师根据幼儿的想象，改变歌曲部分歌词，引导幼儿欣赏，鼓励幼儿和教师一齐演唱。

三、结束部分

1.教师总结，对幼儿进行感恩教育。

2.下课休息。

音乐欣赏心得体会篇六

引导语：下面小编就给大家带来音乐欣赏入门，希望能够帮助到您，谢谢您的阅读，祝您阅读愉快。

即音的高低范围，它虽然有约定俗成的概念，但没有非常严格、确切的界限，所谓高音区、中音区、低音区是相对而言。对于各种乐器和各种人声的音区划分，它们的标准是不同的。比如钢琴上的中央c，即整个键盘中间的c音，对于小提琴来说，是低音区，可是对于倍大提琴来说，它就是高音区了;同样，男低音的高音区是女高音的中低音区，等等。我们这里所谈论的音区是以一个完整的管弦乐队或一个完整的合唱队为范畴的，它的概念是广义的，而不是针对某一件乐器或某一种人声。

音区是音乐写作中十分重要的一个手段，不同的音区可以表达不同的思想感情、模仿生活和大自然中的声音，同时，作品中音区的变化还会带来新鲜的意趣。通常来讲，高音区一般具有清脆、明亮、尖锐的特性;而低音区则往往给人以浑厚、深沉之感(请注意：音乐中的各种要素都不可能孤立地使用，它们在和其他要素结合时会产生出各种各样的效果)。在模仿隆隆雷声时，作曲家常常会使用低音区的定音鼓，模仿云雀的婉转歌喉时，会选用高音区的木管乐器;在表现安详沉思的时候，往往会利用大提琴那凝重深沉的音区;而在表现飘逸神思的时候，可能会让小提琴声部在高音区轻柔地歌唱。

在一部作品中，作曲家不会只使用同一个音区，他们会利用音区的对比来造成新鲜感和情绪上的推进、变化，这样的例子数不胜数。例如，英国作曲家阿诺尔德()的《四首苏格兰舞曲》中的第二首，它的素材十分简洁，只用了一条活泼跳跃的旋律，但通过运用音区(还包括音色以及节奏)的变化，使音乐显得妙趣横生。

谱例：阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首：vivace(活泼的)

首先是乐队中音区较低的大管和在低音区吹奏的单簧管;第二段是音区略高的长笛，但它是长笛本身的中低音区，与此同时，伴奏的乐器采用不同于主旋律的音区，形成了鲜明的对照;在第三段里，作曲家再次换了一个音区(也换了一个调)，比刚才还要高些，这是小提琴组的声音，但第二个句子就又换成了低音区的大提琴。第四段是音区更高的小提琴组以及小号，第五段是在中音区的木管组和弦乐拨弦。第六段速度变慢，低音区的大管再次成为主角。第七段是中音区的单簧管。

曲例一：阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首：vivace(活泼的)

从上面的例子可以看出，音区是音乐写作中十分有效的手段，它的变化会带给听者新鲜的意趣和生动、丰富的联想。

力度(dynamics)是音响强弱的程度。它和音区一样，也是一个相对的概念，不能简单地用物理学中的分贝单位标准来衡量。

力度标记通常采用意大利语的音乐术语。作曲家在乐谱上标有详细的力度标记，从最弱的到最强，通常可分为十几个层次，每一个层次的力度都是一个相对值。piano，是弱的意思，缩写为p，p越多就越弱，最多可有5个p，那就是极弱极弱。forte，是强的意思，缩写为f，f越多就越强，假如乐谱上标有五个f，那就是相当强，演奏者必须竭尽全力地演奏。除了这些记号以外，还有很象是数学中的小于号和大于号的渐强和渐弱记号，以及突强突弱记号等等。

需要说明的是，在音乐中力度的变化是非常细致而复杂的，繁琐地把一切细微的力度变化都标记出来显然是不可能，也是不必要的，每个演奏家都会在作曲家的提示下，根据自己的感觉来做出具体细致的力度变化。

力度变化是重要的音乐表现手段。它可以表达丰富的情感，并造成音乐的对比和发展。一般来说，力度越强，音乐越紧张、雄壮，力度越弱，音乐越缓和、委婉。如表现万众欢腾，胜利凯旋，要大型乐队全奏、强奏(全奏是指整个乐队都演奏，音区从低到高都包括在内)，而鸟语花香、花前月下，当然就不会使用很强的力度了。这里还要强调一下，音乐要素的互相配合会造成丰富多样的效果，因此有时候弱的力度不一定柔和委婉，它也可能是令人紧张的。

以挪威作曲家格里格(grieg)的管弦乐组曲《培尔*金特》中的《在山大王的宫中》为例进一步分析。剧中主人公培尔*金特是一个浪荡子，在村子里干了许多坏事，被大家痛恨，不得不远离家乡去外面闯荡。一次，他来到了山大王的宫中，引出来了许多大小妖怪，冲着他喊叫，把他吓得魂不附体。作曲家为这个场景写了一段十分有趣的音乐，起初的力度很弱，逐渐加强，直到非常响亮，成功地描绘了越来越多的妖怪以及他们越来越疯狂的舞蹈。全曲只有一个旋律素材，但通过力度、音区和节奏、音色的变化，获得了极其生动的表现效果。

谱例一：格里格《培尔*金特》中的《在山大王的宫中》主题旋律

曲例一：《在山大王的宫中》

再举一个类似的例子。这是俄罗斯作曲家斯特拉文斯基(stravinsky)的芭蕾舞剧《火鸟》终曲。舞剧故事大意是：一个王子打猎时遇到了一只羽毛金光闪闪、象火焰一样美丽的大鸟。火鸟恳求王子不要打它，并给了王子一支羽毛，告诉王子今后在遇到了困难的时候，只要对着羽毛呼唤，它就会立即前来相助。王子放了火鸟，后来他真的遇到了困难，当他想解救一个被魔王施了魔法的公主时，因势单力薄，打不过魔王，紧急中他想到了火鸟的许诺，拿出那根金光闪闪的羽毛呼唤起来。果然，火鸟立即出现了，他们齐心协力，砸碎了一个巨大的蛋，使魔王丧失了他的魔力，最后他们救出了公主。在全剧的最后，作曲家斯特拉文斯基写了一段终曲，从很弱的力度逐渐加强，直到极强，音区是从中音区开始逐渐提高，造成从朦胧神秘到逐渐明朗的音响效果，节奏也是从缓慢渐渐加快，在达到极快之后，又放慢下来，节奏拉宽，最后给人以获得胜利后无比自豪的感觉。

谱例二：斯特拉文斯基舞剧《火鸟》的终曲

曲例二：《火鸟》的终曲

对力度这个要素的运用，作曲家们都非常精心，所以演奏和演唱者也都要十分注意把各种力度层次做出来。我们常常听到有些初学乐器者在力度运用上要么是能力有限，控制不了乐器的力度，要么就是对乐谱上的力度标记视而不见，以为只有音符才是音乐，结果演奏得毫无趣味可言。人们通常说的"缺乏乐感"常常就是指演奏上缺少力度变化和丰富的.力度层次。

总之，通过力度变化产生的音响可以表达愤怒呼号、急风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果敢刚烈等强烈的情感，也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰爱抚、叹息抽泣、甜蜜幸福等内心的微妙感受，还可以表达空谷回声、黄昏钟鸣、高山流水、小溪潺潺等大自然的奇观美景甚至阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之，力度的表现力是相当丰富的，可以说它是一种富有"魔力"的音乐要素。

旋律(melody)也称作曲调，是一连串乐音的有组织的进行。

与其他要素相比，旋律在音乐中的地位最突出，自然也就是最主要的表现手段。可以说，任何人在听了一首作品之后，首先记住的就是旋律，它是可以由我们哼唱出来的，而其他要素如单纯的音区、力度、节奏，离开了旋律，简直就无法独立存在，所以有人说，旋律是音乐的灵魂。不过，在有些音乐中，旋律并不占有至高无上的地位，比如二十世纪的一些新颖独特的作品，是以音色为主要的构成因素，而非洲的鼓乐则主要是由各种节奏组合而成的。限于篇幅的原因，本节内容不涉及这一类特殊的音乐。

旋律和我们的日常语言关系十分密切，最早的音乐，它们旋律的曲折变化，是依附于语言本身的，可以说，它就是将语言中的音高加以夸张得来的。比如我们中国人的吟诗，就是将诗句用较为音乐化的调子朗读出来，西方古老的圣咏也是这样。后来渐渐地有了不依附于语言的音乐旋律，但如果仔细想想，这些形态各异的旋律仍然和语言有着深层的关系，比如曲折婉转的旋律，有如亲切的谈话;短促有力的旋律，很象是命令或惊叹的口气;下行的旋律就如同我们日常生活的熟悉的叹气声，它往往用来表现哀伤的哭泣或沉重的叹息。

正因为旋律具有情感色彩，它能引起人们情感上的共鸣。作曲家就利用这一特征，来写作表现各种各样情绪的旋律。例如贝多芬(beethoven)第五交响曲末乐章的开始部分：

谱例一：贝多芬第五交响曲末乐章主题

曲例一：贝多芬第五交响曲末乐章主题

它的旋律是有主和弦分解而成的号角音调，棱角分明，具有英雄气概。这种旋律特性是贝多芬的一个鲜明的标志，是他的个性语言。

再举一个例子，这是柴科夫斯基(chaikovsky)的第六"悲怆"交响曲的末乐章主题，以下行音调为主，听上去有如哭泣一般：

谱例二：柴科夫斯基第六交响曲末乐章

曲例二：柴科夫斯基第六交响曲末乐章

用来描绘悲怆情感，这旋律是非常贴切的。而在这部交响曲的第三乐章，柴科夫斯基描写的是年轻时的奋斗，它的旋律则是另一种形态，高亢铿锵，富有阳刚之气的：

谱例三：柴科夫斯基第六交响曲第三乐章

曲例三：柴科夫斯基第六交响曲第三乐章

这条旋律显示出的是奋发向上的精神，它也有类似于贝多芬的号角音调的特征。

我们再来分析两条旋律，选自柴科夫斯基的幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》。这是受莎士比亚的同名戏剧故事启发而作的，讲述了一对相爱的年轻人因家族的仇恨不能结合，最终双双殉情的悲剧故事。剧中的两个主题就是"恨"与"爱"。作曲家柴科夫斯基用生动的笔法描绘了这两种截然不同的情感：

谱例四：柴科夫斯基幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》主题1

曲例四：《罗米欧与朱丽叶》主题1

谱例五：柴科夫斯基幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》主题2

曲例五：《罗米欧与朱丽叶》主题2

显而易见，第一条旋律是用来描绘仇恨与斗争的，它棱角尖锐，音符短促，节奏十分不稳定;而第二条旋律舒展、歌唱性强，听上去很深情，可以想像它是描绘爱情的。从这一点上我们可以看出旋律与语言的密切关系，也由此得出结论：听者应该能够从作曲家的旋律中听明白他所想要表达的情感。

作曲家的创作个性在旋律中的表现是很鲜明的，不同的国家、民族又有不同的旋律特色，正如它的人民有不同的文化背景和个性一样。而且各个时代也有它自己的时代特征，比如我国的抗日歌曲，就反映了特定年代人们的思想感情。民歌和戏曲、说唱音乐，也有其旋律特色，京剧的高亢昂扬和江南越剧的委婉秀丽，是很有代表性的。

在一部大型作品中，往往要用很多条性格不同的旋律，他们形成对比和发展，使音乐向前推进。比如前面提到的柴科夫斯基的《罗米欧与朱丽叶》，两条主题旋律在后面都有发展，表现仇恨的、斗争的那一条旋律(曲例三)变得更加激烈、尖锐，爱情主题(曲例四)则变成了悲剧性的高潮，起到了催人泪下的效果。

然而，那些不带文学性、描绘性标题的器乐曲(称之为"纯音乐")应该如何去理解呢?我们还是再举一个例子，这是莫扎特(mozart)著名的g小调第40交响曲第一乐章，它的主题是由气息短促的、带点跳跃的音符组成的，副题则相对来说比较舒展，带有抒情的气质。

谱例六：莫扎特第40交响曲第一乐章主题：

曲例六：g小调第40交响曲第一乐章

谱例七：莫扎特第40交响曲第一乐章副题：

曲例七：g小调第40交响曲第一乐章

这就是构成第一乐章的两个主要素材，在音乐进行当中，它们发展、变化，并不时地还有新的素材加入进来，构成丰富多变的音乐洪流。每个人都能感觉到它的涌流，感觉到它的变化和不断的推进，就像我们可以感觉到在崎岖不平的河床上，河水的流动也是千姿百态一样。能够体会到这些运动的趣味和美感，就是理解了作曲家的意图了，至于它让人产生的联想，那是仁者见仁，智者见智的事。

当我们听得多了，对音乐的感受力会越来越敏锐，想象力也会变得更加丰富，这时就会从音乐审美的过程中获得更多的快感。也许不久以后你就会从旋律中辨认出这是西方的浪漫主义还是巴罗克风格，辨认出这是巴赫还是贝多芬，是肖邦还是李斯特，或者，是我国云南民歌还是蒙族民歌。

旋律，是通向音乐世界的一条小径。

音色(tone-colour)是指乐器或嗓音的音质。

在生活中我们常说，某某人的嗓子音色很美，或音色沙哑、独具个性。我们还会评价小提琴家或钢琴家"音色丰富多变"，甜美或如洪钟般辉煌……等等。这些，都不包括在我们要讲的音色概念中，我们这里要说的音色，在中国的辞典里称作"音品"或"音质"，即某种人声(如男高音、女高音)或某种乐器特有的声音种类。

以人声来说，女高音嘹亮柔美，男高音挺拔高亢，女中音比较暗一些，浑厚而温暖，男中、男低音则是庄重厚实，给人一种坚定的感觉。乐器的音色种类就更丰富了，小提琴的纤柔灵巧，大提琴的深沉醇厚，双簧管的优雅甘美，小号的英雄气概等等……。作曲家对于音色的运用非常讲究，这些各种各样的声音特质对他们来说，就象是画家手中的色彩一样，会令他们的旋律、和声、节奏、力度产生鲜明的效果。

每一种音色都有着特殊的意味。假设你要写一首描写男子汉英雄形象的进行曲，你不大可能选择小提琴、长笛、双簧管这一类音色纤柔的的乐器，而是会考虑响亮有力的铜管，如小号、长号。再假如，要写一首表达缠绵爱情的乐曲，定音鼓、大镲肯定是不行的。由此我们可以看出，音色有着特别的表现力。

音色还有模仿的作用。如模仿暴风雨，我们需要强烈的音色，而微风吹拂，则要用柔和的音色。法国作曲家圣-桑(saint-saens)在他的组曲《动物狂欢节》中非常生动地描绘了各种动物的形象，其中的"大象"一曲是用乐队的低音区来描绘大象的笨重，音色则是声音粗拙的倍大提琴。

曲例一：圣-桑《动物狂欢节》中《大象圆舞曲》

倍大提琴的音色对大象来说是再合适不过了。乐队中的低音乐器还有其他种类，如大号、低音单簧管、大管，但它们都比不上倍大提琴合适，因为大号的声音较硬，有一种冷冰冰的威慑力，低音单簧管和大管又嫌淡薄了点，不像是大象那粗壮的体态和沉重的舞步。

木管乐器中的长笛、双簧管、单簧管，常常被用来描绘大自然，因为它们的音色犹如鸟儿的鸣啭，或者是田园牧笛。贝多芬在第六"田园交响曲"第二乐章末尾用木管所写的一段模仿鸟儿歌声的音乐，非常逼真：

曲例二：贝多芬《田园交响曲》第二乐章末尾

贝多芬在这里用长笛、双簧管和单簧管来模仿描绘鸟儿的歌唱，其明亮、轻盈的声音会使人立即联想到可爱的小鸟和美丽的大自然风光。这部作品的第四乐章是"暴风雨"，贝多芬先让小提琴奏出短促的音符和嗖嗖凉风似的短促动机，倍大提琴则在低音区奏震音，这隆隆的声音就像远处的滚雷，然后，木管和定音鼓加入进来，力度逐渐增强，突然间铜管咆哮起来，定音鼓重重地捶击，毫无疑问，"暴风雨"降临了。贝多芬在这里动用了整个管弦乐队的能量。

曲例三：贝多芬《田园交响曲》第四乐章"暴风雨"开头

这部作品的第五乐章标题是"牧歌，暴风雨过后的感恩心情"。贝多芬先用单簧管那鸟儿歌声般的声音，宣告雨过天晴，大地恢复了宁静安详。圆号的呼应像远处群山的回声，又象是猎人们重又吹起了猎号。之后小提琴以明亮的声音唱起感恩之歌，表达了作曲家发自内心的幸福和赞美之情。这条旋律越来越明亮，情绪越来越饱满，高潮处加用了铜管辉煌的音色。

曲例四：贝多芬《田园交响曲》第五乐章的开头

每一种乐器或人声种类都有它特定的表情意义和描绘功能，或者说特定的音色。但作曲家不会满足于这些"原色"，他们要使各种音色加以混合，要用不同的演奏法对音色进行改变，以此来扩大音色的种类和表现力。这种技巧就叫做配器(orchestration)。

作曲家们必须精通配器法，熟悉各种乐器搭配出来的效果。如长笛与大管齐奏，会使大管暗淡的音色镀上一层银光;又如三角铁在某处轻轻敲几下，会增添一种闪闪发光的感觉;定音鼓滚奏的时候，让大镲也轻轻震动，它会为定音鼓浑厚朦胧的声音带来一层金属般的光泽……除了乐器不同种类的结合，使用乐器数目的多少也会产生不同的效果。一把小提琴的独奏与全部小提琴声部(一个乐队里通常会有二十把左右的小提琴)的齐奏，所获得的音色肯定是不一样的。

演奏法(每种乐器的演奏技法)与音色也有着密切的关系。在乐器刚刚发明的时候，演奏技法很简单，但随着一代又一代人的探索，演奏技法越来越丰富、越来越复杂，这些演奏法会使一件乐器获得多种音色。以小提琴为例，它可以是长线条的连弓演奏，其效果是歌唱性的，它还可以用双弦技巧，即一弓同时拉奏两个音，这种类似于二重唱的声音自然比较丰满，它还可以是短促的跳弓，即让琴弓在弦上轻轻地跳跃着拉奏，弓与弦之间的接触十分短暂，这可以获得轻盈活泼的声音。或者还可以不用弓子，而是用手指拨奏琴弦，获得弹拨乐器特有的颗粒性音响效果。小提琴大师帕格尼尼(paganini)在演奏技巧上的创新，使这件古老的乐器出现了前所未有的魅力。我们选他的《24首小提琴随想曲》中的几个片段来领略不同演奏法带来的各种音色：

曲例五：帕格尼尼小提琴随想曲no.1

曲例六：帕格尼尼小提琴随想曲no.2

曲例七：帕格尼尼小提琴随想曲no.3

曲例八：帕格尼尼小提琴随想曲no.4

曲例九：帕格尼尼小提琴随想曲no.10

混合音色和演奏法可以使原本有限的音色变得无限丰富，而新的乐器还在音乐发展的进程中不断涌现，如20世纪高科技的产物"电子合成器"(synthesizer)，是一种依靠电子技术发声的乐器，不仅可以模仿乐器和人声，还能做出想象中的太空神秘的声音，战场上的声响，门窗破碎和狂风呼啸等等，只要想象得出来，几乎都可以实现。在影视作品中，电子合成器起到了非常重要的作用。

曲例十：马斯卡尼《乡村骑士》中的间奏曲片段

作曲家常常将电子合成器与管弦乐队配合使用，使整个音响既有亲切和真实感，同时又有一种空灵、神秘的效果，会令人产生无限的遐想。

曲例十一：cd唱片《神秘园》选曲

前面着重介绍了音色在表现特定情绪、描绘形象方面的作用，实际上更为常见的是作曲家纯粹从音响的变化、对比角度来运用音色，尤其在较长大的作品中，音色的变化更是频繁、丰富。它起着结构上的对比、推进以及形成对称等等作用，这将在我们欣赏经验的不断提高中体会到。

音乐欣赏心得体会篇七

近年来，随着人们生活节奏的加快和压力的增加，很多人开始选择在晨光中欣赏音乐，以放松身心，调整状态。晨景音乐欣赏成为了一种独特的享受方式，它能够带给人们清新的视听感受，让人在忙碌的生活中找到内心的宁静。在这篇文章中，我将分享我对晨景音乐欣赏的心得体会。

在一个宁静的清晨，我选择了坐在阳台上，欣赏着晨景音乐。由于时间尚早，整个城市还没有完全醒来，所以街上寂静无声，只有微风轻拂树叶的声音和晨鸟的歌声。这时，悠扬的音乐在耳边响起，我仿佛被带入了一个完全陌生的世界。音乐让我忘却了外界的喧嚣，只专注于自己的内心。在这样的环境下，音乐的每一个音符都更加清晰，每一个音符都能够触动我内心深处的情感。我感受到了音乐的力量，它能够令我投入其中，感受到一种与世无争的美好。

除了音乐本身的美妙，晨景音乐也能够唤起我对大自然的热爱与美好的回忆。在这样的环境中，我不禁联想起小时候的乡村生活，那时候我能够在山间奔跑，和小伙伴们一起欢笑，远离尘嚣。晨景音乐中的和谐旋律和自然的音乐元素让我不禁想起大自然的美景。无论是晨曦中的溪流流水声，还是鸟儿的欢唱声，都能够让我想起大自然的美好。这样的音乐欣赏经历，彷佛带我穿越时光，回到了那段纯真的童年时光，感受到了大自然带给我的宁静与祥和。

对于我来说，晨景音乐欣赏不仅仅是一种享受，更是一种疗愈。在快节奏的生活中，我们时常面临工作压力、生活压力等等。然而，在晨景音乐的陪伴下，我能够暂时抛开这些困扰，专注于内心的平静。音乐的旋律和和谐的各种乐器声音能够迅速占据我的思绪，将我的注意力从繁忙的生活转移到美好的音乐中。这样一种转换，使我放松了身心，重新获得了力量。因此，我开始坚持每天早上欣赏晨景音乐，将它视为调整自己状态的手段。

晨景音乐不仅带给我身心的放松，也让我感受到了内心的寂静与安宁。在这个现代社会中，我们时常被各种噪音环绕，无法享受到宁静的时刻。然而，在晨景音乐中，我能够找到内心的宁静。音乐的流畅旋律演奏中，我仿佛跟随着音乐的节奏，寻找到了一种内在的安宁感。去掉琐事的纷扰，我能够更加专注于当下，享受音乐给我带来的快乐。在这样的体验中，我开始感受到内心的宁静，感受到大自然的魅力。

综上所述，晨景音乐欣赏让我感受到了生活中美好的一面。在晨光的照射下，音乐的力量让我忘却烦恼，重新获得内心的宁静。它唤起了我对大自然的热爱和美好的回忆，让我再次感受到大自然带给我的宁静与祥和。晨景音乐欣赏不仅仅是一种享受，更是一种疗愈，让我能够放松身心，重新获得力量。它带给我内心的寂静与安宁，让我能够从喧嚣的世界中寻找到宁静的时刻。我相信，只要坚持每天享受晨景音乐的美妙，我们都能够在忙碌的生活中找到真正的快乐与平静。

音乐欣赏心得体会篇八

了解《卡门序曲》，让学生体会乐曲不同段落的思想感情，提高学生对欧洲古典音乐的兴趣。

【过程与方法】。

让学生聆听《卡门序曲》并引导学生对全曲进行分析，综合了解全曲。

【知识与技能】。

通过分析《卡门序曲》，让学生对乐曲结构有一定的把控能力，并提高学生对古典音乐的鉴赏力。

二、教学重难点。

【重点】。

分析《卡门序曲》的曲式结构分析，了解每个主题的音乐情绪。

【难点】。

《卡门序曲》曲式与传统的曲式结构不同，后面加入了与歌剧部分的连接段落。

三、教学过程。

环节一：导入新课。

1.为学生播放《卡门序曲》，并在投影仪上播放斗牛场图片，并让学生回答这首乐曲的整体情绪是什么样的。

2.学生回答完问题后给出答案：热烈欢快。

3.告诉学生这段音乐描绘的斗牛场的场景，它选自歌剧《卡门》。《卡门序曲》是歌剧开幕前的短曲，它综合的叙述了全剧发展的重要关键场面，奏出剧中代表主角的旋律。今天我将带领同学进一步了解此曲。

环节二：新课教学。

(一)剧情介绍。

歌剧《卡门》讲述了唐霍赛钟情于卡门，但卡门却与斗牛士埃斯卡米洛热恋起来，在一次斗牛活动中，埃斯卡米洛获胜。当群众正在欢呼的时候，唐霍赛杀死了卡门。随后，他自己也自杀身亡。所以整首歌剧塑造了卡门这个追求个性解放的妇女形象，最终却以她的死来结束，充满了悲剧色彩。

本剧以女工、农民出身的士兵和群众为主人公，这一点，在那个时代的歌剧作品中是罕见的、可贵的。因为作者的刻意创新，本剧在初演时并不为观众接受，但随着时间的推移，这部作品的艺术价值逐渐得到人们的认可。

(二)作者简介。

乔治·比才，法国作曲家，生于巴黎，世界上演率最高的歌剧《卡门》的作者。九岁起即入巴黎音乐学院学习作曲。后到罗马进修三年。1863年写成第一部歌剧《采珍珠者》。1870年新婚不久参加国民自卫军，后终生在塞纳河畔的布基伐尔从事写作。在音乐中他把鲜明的民族色彩，富有表现力的描绘生活冲突的交响发展，以及法国的喜歌剧传统的表现手法熔于一炉，创造了十九世纪法国歌剧的最高成就。其它作品还有歌剧《唐普罗科皮奥》。

(三)作品欣赏。

1.再次聆听全曲，并向学生询问：

(1)乐曲给了你们怎样的感受?

(2)乐曲一共分为几部分?

对学生的回答进行概括总结并告诉学生乐曲一共分成两大部分，第一大部分为abaca的回旋曲式。第二大部分为一个展开性段落。

(四)分段聆听。

1.为学生播放乐曲a段，让学生聆听并思考：

(1)这段音乐是什么情绪?(向学生提问后对学生的`答案做一个总结，并说出音乐表现了欢快热烈的情绪，表现了西班牙斗牛场上的喧闹、狂热的气氛)。

(2)为什么会产生这样的情绪?(a段音乐节奏紧凑，连续的十六分音符快速地奏出形成了这种热烈欢快的场面)。

播放一段斗牛士视频，从视觉角度让学生进一步感受其中的场面。

提问其中几个小组代表，并对学生们的回答进行总结并给出答案：表现的是妇女、儿童活泼欢快的场面。

请学生哼唱b段主题，让大家更好的记住b段主题。

3.为学生播放乐曲c段，并告诉学生这段音乐表现了斗牛士的英勇形象。

在屏幕上给出《斗牛士之歌》的谱子，并带着学生学唱这首歌曲。

4.打乱三个段落的顺序为学生播放，并找学生回答播放的是第几个段落。(引导学生说出正确答案并点评学生正确与否)。

环节三：巩固提高。

为学生讲解回旋曲式：回旋曲式是主题周而复始地循环往复，在其重复之间，插以对比性格的“插部”(副题)，在回旋曲中，主要主题至少要呈现3次。这首乐曲的回旋曲式部分的结构是abaca。

为学生播放乐曲《献给爱丽丝》，聆听过程中依次为学生讲解这首回旋曲的曲式结构是如何划分的。

告诉学生由于序曲是歌剧的引子部分，所以这首乐曲在回旋曲结束之后又插入了一个展开性乐段，目的是为了与歌剧主体部分相连。

环节四：课后小结。